Salvatore Toma e l’amore per la natura

A me Dio piace indovinarlo/ in una pietra qualunque,/ in un'infanzia serena,/ in un frutto maturo,/ nell'onda del mare,/ che come la morte cancella il mio nome".

In Salvatore Toma c'è “una tensione del corpo verso le parole che precede ogni immaginario. Le parole si fanno vita, esistenza tesa alla poesia come la corda tende l'arco alla sua massima potenza. La poesia, come massima espressione della vita.

Francesco Aprile

La fine come inizio non poteva che essere il risultato di una voce eterna, da consegnare all'etereo sentire di un palpito nell'aria. Nella poetica di Salvatore Toma, retoricamente parlando, si intrecciano la morte, l'amore, la natura. Ma c'è consapevolezza, parole che raccontano di una morte che si fa Uno ed esclude il molteplice per poter essere in Dio. Due stati di morte. Quello apparente, quello reale. Quello apparente è una fuga, motivo di catarsi come lo è, all'interno della sua scrittura, l'aspetto animale, il volo degli uccelli. La morte come l’inizio della vita vera. Nascere, crescere e morire per poi essere liberi. Nel gesto estremo stanno i germi della vera vita, della libertà, del riconoscere-conoscere se stessi fino in fondo, in maniera diversa, nuova. “...Ci ho messo una croce e ci ho scritto sopra, oltre al mio nome, una buona dose di vita vissuta. Poi sono uscito per strada a guardare la gente con occhi diversi...”.

Ma c'è anche un'altra morte e coincide con l'idea di Dio raccolta dalla Corti nel postumo "Canzoniere della Morte". "La mia idea di morte si fa chiara/ in questo vuoto, come l'idea di Dio./ A me Dio piace indovinarlo/ in una pietra qualunque,/ in un'infanzia serena,/ in un frutto maturo,/ nell'onda del mare,/ che come la morte cancella il mio nome".

Dio che è in ogni pietra, in un'infanzia serena, è il Dio che ha in sé tutte le perfezioni. Dio che, come un'onda, cancella il nome di ogni essere dopo la morte, è il Dio che è Uno, a cui conviene l'essere puro e non la molteplicità. Ma c'è una nuova religione in Toma, l'uomo e la natura si fanno enti spirituali, una religione animale, senza croci e spine, ma solo col sogno di un volo come liberazione. Toma ci consegna un naturalismo tribale, una sorta di pietas verso gli animali, un ritorno al primitivismo, seguendo le vie primigenie surrealiste, fuggendo da esso, però, nella mancanza di una scrittura automatica, ma scrittura pesata e forgiata dalla natura, dall'amore per gli animali, dal suo cogliere l’attimo.

"Quando sarò morto/ che non vi venga in mente/ di mettere manifesti:/ morto serenamente/ o dopo lunga sofferenza/ o peggio ancora in grazia di Dio./ Io sono morto/ per la vostra presenza".

Autore raffinato, nascosto dietro finta sciatteria metrica, di una scrittura selvaggia che è un continuo manifestarsi e adagiarsi di vita fiabesca, che altro non può fare se non stagliarsi fra natura e parole. In Toma accade che il mondo reale si evolva cattivo, come la società ed il suo essere arida, cinica, oscura. E l'unico rifugio è un volo, una fuga nel mondo "animale", "naturale", come lo sguardo di un bambino, l'essere in rapporto col fiabesco lungo le corde di uno sguardo che ammicca costantemente allo stupore, invaghito delle fughe nell'incanto. Il regno animale come catarsi.

La sua è una poetica dell'incanto, dove natura, morte, amore, altro non sono che la manifestazione suprema del suo stupore, il punto massimo di un'esistenza conscia di una tensione del corpo verso le parole che precedono ogni immaginario e, anzi, si fanno vita, esistenza tesa alla poesia come la corda tende l'arco alla sua massima potenza. La poesia, come massima espressione della vita. Ed è a questo punto che natura, amore, morte, si fondono nella poesia, in una vita che è poesia stessa, massima espressione della parola in versi.

"Il poeta esce col sole e con la pioggia/ come il lombrico d'inverno/ e la cicala d'estate/ canta e il suo lavoro/ che non è poco è tutto qui./ D'inverno come il lombrico/ sbuca nudo dalla terra/ si torce al riflesso di un miraggio/ insegna la favola più antica".

Il poeta è, così, natura, e dunque amore, perché in Toma solo l'amore regna verso la natura, e, poi, è morte, favola e stupore. L'incanto della favola più antica. Parole in cui vita e morte coincidono: “Alla deriva/ c’è invece il mare/ il mare aperto infinito/ alla deriva/ c’è finalmente la vita/ filtrata digerita/ c’è la leggerezza/ del corpo vuoto”.

La vita e la morte che coincidono sono la paura più grande per lo stesso Toma, l’impossibilità di tornare al passato, raggiungerlo, ripetersi, lo strazio più grande per il suo amore, per la sua donna, dove le sue parole si tramutano, da parole per la sua donna assumono i connotati del suo dilaniarsi l’anima alla ricerca di ciò che il tempo sacrifica sull’altare della vita/morte. L’equilibrio è un ammiccare al vento, la pace degli intenti è un susseguirsi di sé allo scoppio di un’emozione, rintracciarsi nella luce del sole al mattino, nella luce del sole al tramonto, nella luce della luna la sera, sotto un corpo percorso da stelle ed un cielo di piante, fiori erba. Dissolversi nello scorrere dell’acqua di un fiume, sfociare nel mare e ritrovarsi nuovo, raggiungersi e scoprirsi nascosto nel fondale marino invaso da pesci e desideri di luna ondeggiante, nei capricci dei palpiti assopiti che si risvegliano sotto i colpi della brezza nell’incessante ricerca dell’attimo trafugato dalle parole, in una continua versificazione della vita/morte, dei piaceri/dispiaceri. Contare paure che si dissimulano ai quattro venti, lungo le pieghe della felicità di un bambino, nella naturale dolcezza di un cielo che scopre tutta l’essenza di un incantato indovinarsi fra le forme delle nuvole.

Salvatore Toma, è nato a Maglie l'11 maggio del 1951. Poeta, muore il 17 marzo 1987 per via di una cirrosi, declino alcolico del corpo. Dal 1970 al 1983 pubblicò sei raccolte in versi: Poesie, Ad esempio una vacanza, Poesie scelte, Un anno in sospeso, Ancora un anno, Forse ci siamo. Maria Corti, curò l’edizione del “Canzoniere della Morte”, pubblicato postumo da Einaudi.

Oh! Novecento

Nel libro “Modernità del Salento. Scrittori, critici e artisti del Novecento e oltre”, di Antonio Lucio Giannone edito da Congedo, una raccolta di interventi, articoli, brevi saggi, recensioni, di questi ultimi anni, che lo studioso ha riunito in volume, dividendo il lavoro in tre sezioni: 'Attraverso il Novecento', più vasta delle altre, contiene quattordici scritti sulla letteratura e la critica salentina; 'Tra letteratura e arte', contiene sette scritti che prendono in esame i complessi rapporti tra artisti e letterati salentini; 'Critica, narrativa, poesia', raccoglie dodici brevi recensioni, e può essere considerata come la parte in cui meglio si rivela la propensione dello studioso alla critica militante.

Gianluca Virgilio

Sono passati nove anni dall’inizio del nuovo secolo, e già possiamo affermare quanto i nostri antenati salentini di cento anni fa difficilmente avrebbero potuto dire in riferimento al secolo che li precedette, ovvero che la periodizzazione e storicizzazione del Novecento è cosa fatta. Voglio dire che noi disponiamo, grazie agli studi condotti da un cinquantennio in avanti nell’Università del Salento, di una ben precisa narrazione storiografica, suscettibile certamente di aggiunte e aggiustamenti, ma ormai ben delineata nella sua periodizzazione e nelle sue figure fondanti, che gli studi di contemporaneistica hanno messo in luce con non poche pubblicazioni specialistiche. Si legga, a questo proposito, l’ultimo libro di Antonio Lucio Giannone, Modernità del Salento. Scrittori, critici e artisti del Novecento e oltre, Congedo Editore, Galatina 2009, pp. 236, e si avrà la riprova di quanto ho appena detto.
Giannone, come molti sanno, è professore ordinario di Letteratura italiana contemporanea presso la Facoltà di Lettere e Filosofia dell’Università del Salento. Chi meglio di lui potrebbe fornire ragguagli sul canone - si prenda il termine senza alcuna accezione prescrittiva - della letteratura novecentesca salentina?
Il libro di cui parlo è frutto di una raccolta di interventi, articoli, brevi saggi, recensioni, ecc., perlopiù di questi ultimi anni, che lo studioso ha riunito in volume, dividendola in tre parti: la prima, Attraverso il Novecento (pp. 13-143), più vasta delle altre, contiene quattordici scritti sulla letteratura e la critica salentina; la seconda, Tra letteratura e arte (pp. 145-184), contiene sette scritti nei quali Giannone prende in esame i complessi rapporti tra artisti e letterati salentini; la terza, Critica, narrativa, poesia (pp. 185-221), raccoglie dodici brevi recensioni, e può essere considerata come la parte in cui meglio si rivela la propensione dello studioso alla critica militante.
Quale Novecento letterario, artistico e critico, dunque, è quello che Giannone delinea per il Salento?
Il Capitano Black
Alle origini del Novecento letterario salentino figura Giuseppe De Dominicis (detto il Capitano Black). Giannone analizza l’ultima raccolta del poeta di Cavallino, “Spudhiculature”, ovvero “briciole”, del 1903, due anni prima della morte del poeta, rinvenendone il “motivo conduttore che accomuna le varie liriche… il tema della condizione umana” e “una concezione pessimistica e sconsolata dell’esistenza, che a lui sembra caratterizzata, oltre che da caducità e fragilità, da innumerevoli problemi di ogni tipo: fame, miseria, malattia, infermità fisiche e mentali, passioni rovinose come l’amore che può portare alla morte…” (p. 15). Il critico individua in particolare, in alcune delle ultime poesie, “un De Dominicis per certi aspetti sorprendente, con una sensibilità decisamente più moderna e aperto a una problematica e a suggestioni tipicamente novecentesche” (p. 18).
Il Futurismo
Ma è soprattutto col Futurismo che la modernità fa irruzione nel Salento. E qui si fa sentire lo studioso del Futurismo (si ricordi che Giannone ha scritto L’avventura futurista. Pugliesi all’avanguardia (1909-1943), Fasano, Schena, 2002): “…Lecce anzi, nonostante la posizione periferica e decentrata, può vantare una sorta di primato nella ricezione del movimento marinettiano rispetto a tutte le altre città del Sud e, per certi aspetti, anche rispetto a Napoli. Infatti, fin dal 1909, l’anno stesso di fondazione, questo movimento, oltre ad essere ben conosciuto e ampiamente discusso su numerosi periodici salentini, aveva già i primi adepti e simpatizzanti. Nel 1910, inoltre, a un giovane critico della provincia, Mimì Frassaniti, in contatto epistolare con Marinetti e altri futuristi, si deve il primo, organico tentativo in campo nazionale di delineare le caratteristiche del movimento in uno studio rimasto inedito. A Lecce, ancora, negli anni immediatamente seguenti, operava uno dei primi, misconosciuti seguaci della pittura futurista in tutta Italia, Antonio Serrano” (p. 27).
Dopo il Futurismo, Michele Saponaro, lo scrittore di San Cesario che tanto successo ebbe in vita e che, dopo un lungo periodo di oblio, oggi torna ad essere studiato. Scrive Giannone: “Ora però è giunto il momento, appunto, di “riscoprire” Saponaro. Tanto più che l’Università del Salento possiede da qualche anno il prezioso Archivio dello scrittore, donato dai figli Giovanni e Silvia attraverso la mediazione di Tondo (...), nonché tutti i suoi numerosissimi volumi, recentemente acquistati e conservati, insieme all’Archivio, presso la Biblioteca del Dipartimento di Filologia, linguistica e letteratura” (p. 46). Di Saponaro, Giannone studia lo scrittore di novelle e romanzi, ma anche il biografo (di Foscolo, Leopardi, Carducci, Mazzini), l’organizzatore culturale e il direttore di riviste, oltre che l’autore e il critico teatrale, ben consapevole che “siamo solo all’inizio di questo lavoro di riscoperta e valorizzazione che non deve interessare solo gli studiosi - scrive Giannone -, ma si deve estendere agli studenti, agli insegnanti, ai lettori salentini perché un autore come Saponaro sia conosciuto e apprezzato come merita in campo nazionale ma anche e soprattutto nella propria terra” (p. 53).
Bodini, Bene e la concezione del Barocco
E poi ecco due autori centrali del canone novecentesco salentino, Vittorio Bodini e Carmelo Bene (quest’ultimo, a mio avviso, un po’ negletto dagli studiosi locali), accomunati, secondo il critico leccese, da alcuni punti di convergenza: la concezione del barocco, l’interpretazione della figura di Giuseppe Desa da Copertino, i fatti di Otranto del 1480, che Giannone mette in luce al fine di “offrire un contributo al dibattito sulla identità salentina” (p. 55). Su tutti, mi piace riferire l’interpretazione bodiniana del barocco, così come è riassunta dal critico: “Come interpreta il barocco leccese Bodini? Non tanto e non solo come uno stile architettonico e artistico che ha dato a Lecce la sua inconfondibile fisionomia ma come una condizione dello spirito in cui si riflette il senso del vuoto, l’horror vacui, che i leccesi cercano di colmare con l’esteriorità, l’ostentazione, l’oltranza decorativa, tipica delle chiese e dei palazzi della città” (p. 56). Si consideri, a questo proposito, che Giannone ritiene misconosciuta a livello nazionale l’opera di Bodini “che continua ad essere sistematicamente ignorata dalle più importanti antologie della lirica italiana contemporanea (Sanguineti, Mengaldo, Cucchi-Giovanardi, Segre-Ossola)” (p. 191). Lo studioso richiama anche il giudizio di Bodini sulla rivista di Girolamo Comi, “L’Albero”, avente per lui “una chiara impronta ermetica e un carattere astrattamente universalistico” (p. 61). Ragion per cui Bodini fonda nel 1954 a Lecce la rivista “L’esperienza poetica” (cfr. le pp. 61-63).
Le riviste
Proprio alle riviste è dedicato il cuore pulsante della prima parte del libro. Giannone pensa che la storia delle riviste possa ben rappresentare il “panorama dell’attività letteraria nel Salento”, di cui egli fornisce una precisa periodizzazione. Il centro cronologico di questa periodizzazione è il 1970, anno della morte di Bodini, “che dagli anni Trenta agli anni Sessanta aveva caratterizzato la vita culturale leccese con la sua forte personalità e le sue iniziative. Inoltre, perché nel 1970 ha inizio la nuova serie dell’ “Albero”, che – scrive Giannone – deve essere considerata la più importante rivista letteraria salentina (e forse meridionale) del secolo appena trascorso.” (p. 83). Questa nuova serie de “L’Albero”, a cura di Oreste Macrì e Donato Valli, che va avanti fino al 1985, continua “la migliore tradizione letteraria salentina riallacciandosi ai periodici leccesi degli anni Quaranta, da “Vedetta mediterranea” a “Libera voce”, fino al “Critone” (p. 83). Accanto alla nuova serie de “L’Albero”, poi, negli anni Settanta “si formano gruppi e gruppetti d’avanguardia ed escono alcune riviste che si collocano nell’area della più avanzata sperimentazione” (p. 103). Il riferimento è a “Gramma” e a “Ghen” (pp. 103-108), e poi ancora al “Pensionante dei Saraceni” e “l’Incantiere” (p. 121), di cui lo studioso ricostruisce la genesi e i modelli, cita i fondatori e i redattori.
Vittorio Pagano
Girolamo Comi, Vittorio Bodini, Vittorio Pagano restano i nomi più citati (a Pagano è dedicato il paragrafo 6 della prima parte, pp. 65-72), a proposito dei quali lo studioso esprime il suo rammarico per la mancata o incompleta valorizzazione sul piano nazionale: “E se Comi e Bodini purtroppo, nonostante il loro indubbio valore, sono spesso assenti in dizionari, storie letterarie e antologie scolastiche, Pagano poi, in queste opere, non figura mai” (p. 65), scrive con rammarico Giannone; aggiungendo che, se Comi viene solitamente inserito nella cosiddetta “linea orfica”, insieme ad Arturo Onori, e Bodini in una linea sperimentale, tra ermetismo e neorealismo…, di questo scrittore [Pagano] risulta difficile stabilire esattamente la collocazione” (p. 66). Eppure è Pagano che, curando il supplemento letterario del “Critone” a partire dal giugno 1956, “prende il testimone proprio da Comi anche in questo tipo di iniziativa. Pagano ristabilisce il legame culturale tra Lecce e Firenze, nato ai tempi della “terza pagina” di “Vedetta Mediterranea”, redatta da Vittorio Bodini e Oreste Macrì, e dà al supplemento una chiara impronta postermetica…” (p. 120).
Paolo, Politi e Rizzo
Quel che è detto di Pagano a proposito del suo mancato riconoscimento sul piano nazionale, potrebbe essere ripetuto di molti altri scrittori, per esempio Salvatore Paolo (gli è dedicato il paragrafo 7 della prima parte): “Questo ovviamente, precisiamolo subito, non vuole essere un discorso di carattere campanilistico o provincialistico, non tende cioè a rivendicare le grandezze di glorie e gloriuzze locali, ma è invece un discorso di tipo metodologico, cioè un invito a studiare la letteratura di una regione periferica come il Salento in maniera critica, senza farne l’apologia, e mettendola sempre in rapporto con la cultura nazionale, secondo una prospettiva policentrica dello svolgimento della letteratura italiana” (p. 73). Insomma, il pericolo di scadere nel provincialismo c’è, e Giannone lo sa bene. Ma forse è necessario correre questo pericolo, e schivarlo grazie a un surplus di pensiero critico, se si vuole agganciare il treno della storia e non rimanere esclusi dalle correnti moderne della cultura italiana ed europea.
La prima parte del volume si chiude con due saggi: l’uno dedicato a Francesco Politi germanista e traduttore (pp. 123-131) e l’altro a Gli studi novecenteschi di Gino Rizzo (pp. 133-143). Di entrambi gli studiosi, Giannone segue il curriculum di studi, mettendo in luce scelte, predilezioni e metodo.
L'arte salentina e la letteratura
Nella seconda parte dell’opera, uno scritto sulla Scuola d’Arte di Lecce (pp. 147-152) è l’occasione per una periodizzazione dell’arte leccese dai primi del Novecento al secondo dopoguerra e oltre; il secondo dopoguerra, considerato come il periodo di “maggiore vivacità in campo culturale” (p. 154). Sono poi passate in rassegna alcune figure emblematiche dell’arte salentina novecentesca: Luigi Gabrieli, Mino Delle Site, Cosimo Sponziello, Sandro Greco, Pietro Liaci e Giovanni Valletta. Commentando l’opera pittorica di Luigi Gabrieli, Giannone così scandisce i tre diversi momenti dell’arte leccese novecentesca: “…Gabrieli, nato nel 1904, appartiene alla seconda generazione dei pittori salentini del ‘900, insieme a Temistocle De Vitis, Pippi Starace, Gaetano Giorgino, tutti del 1904 e Mario Palumbo (1905). La prima è stata quella di Geremia Re e Vincenzo Ciardo, i due maestri riconosciuti della pittura salentina del Novecento, nati entrambi nel 1894. La terza generazione, quella di Della Notte, Carlo Barbieri e Fernando Troso (1910), Roberto Manni (1912), Delle Site (1914), Suppressa e Sponziello (1915)” (p. 154). A proposito di Sponziello, Giannone richiama l’attenzione sugli “intensi sodalizi” che caratterizzarono i rapporti tra artisti e scrittori tra la fine degli anni Quaranta e i primi anni Cinquanta del Novecento: “Di quell’esaltante stagione [Sponziello] fu anzi uno dei protagonisti accanto a Nino Della Notte, Aldo Calò, Lino Paolo, Suppressa, Luigi Gabrieli e agli scrittori Vittorio Bodini, Vittorio Pagano, Luciano De Rosa, con i quali quegli artisti sono stati legati spesso da intensi sodalizi” (p. 171). Per venire poi agli ultimi tre decenni del secolo scorso, caratterizzati da “un vivace sperimentalismo”, nei quali la ricerca artistica salentina “continua a dimostrare una sorprendente vitalità, a ulteriore conferma – aggiunge Giannone – della singolare vocazione culturale di questa terra, che ha saputo recepire con prontezza e a volte con originalità i principali movimento artistici e letterari contemporanei, dal futurismo al novecentismo, dall’ermetismo al neorealismo, fino alla neoavanguardia” (p. 183).
Nella terza parte del volume, lo studioso leccese recensisce alcuni libri pubblicati da autori locali negli ultimi anni, sempre stando molto attento a cogliere l’aspetto caratterizzante l’opera e lo scrittore. Così, per fare solo qualche esempio, di Emilio Filieri è messa in luce “la concezione policentrica della storia della letteratura italiana” (p. 193), alla quale va il pieno consenso di Giannone, di Giuseppe Minonne “la vocazione pedagogica del narratore” (p. 197), dei racconti di Maddalena Castagneto Guidorizzi l’aspetto “lirico, evocativo, che lascia le situazioni nel vago, nell’indistinto…” (p. 199), ecc.
In conclusione, bene ha fatto Giannone a raccogliere in volume i disiecta membra della sua produzione sulla letteratura, l’arte e la critica salentina. Il libro, infatti, risulta utile al lettore non solo perché gli permette di entrare nel laboratorio degli studi di letteratura contemporanea dell’Ateneo leccese, ma anche perché gli suggerisce una ben precisa linea di svolgimento della letteratura e dell’arte salentina; di un Salento affacciatosi, forse un po’ tardi, alla modernità, che ora la critica letteraria e la ricostruzione storiografica rivendicano come fondamento identitario di un popolo.

Giuseppe Greco, la lingua dialettale

Poesia/ Giuseppe Greco“Traini te maravije/ Misteri te culori te tanti jaggi. Poisie”

Un libro di 48 pagine di testi e 48 di immagini in quadricromia delle stesse liriche nella composizione colorata. Giuseppe (Pippi) Greco tiene a precisare che si tratta di una «raccolta d’opere di segni-colori-parole, tecnica mista/ dialetto di Parabita/ dialetto e italiano/ italiano».

Giuseppe Greco, in questi anni, mi sono abituato a vederlo vivere come un umile fraticello (nel senso francescano) che compone i suoi versi in vernacolo per poi presentarli ai suoi occasionali lettori e aspettare da loro un giudizio. Mai che l’abbia visto fregiarsi di questa o di quest’altra onorificenza; perfino gli stessi primi premi, da lui vinti in importanti concorsi di poesia, li cita con discrezione, quasi sotto voce.

La meraviglia nella lingua

Maurizio Nocera

C’è stato un tempo in cui Giuseppe Greco si faceva chiamare Josè Amaz Greco, con l’accento sulla o, quasi a dare un senso di esotico al suo nome. Tutti noi, a quel tempo, giovani come lui (ma forse lo siamo ancora – almeno nella mente – con i nostri 60 anni suonati) conoscevamo Josè per la sua bravura nel dipingere e disegnare, e soprattutto nel ritrarre gli amici. Tanto era il suo amore per l’arte che sarebbe stato ovvio per lui finire ad insegnare in una scuola come gli è poi accaduto di fare per 35 anni nell’Istituto Statale d’Arte parabitano.

Parabita, l’antica messapica Bavota, è la sua amata città, culla e madre di non poche genialità non solo nel campo dell’arte (penso al pittore e critico e storico dell’arte Enrico Giannelli, nato sì ad Alezio nel 1854 ma vissuto per tutta la vita e poi morto a Parabita nel 1945), ma anche in quella dell’umane lettere (penso al grande Ascanio Lenio, detto il Salentino che, nel 1531, pubblicò a Venezia il poema epico-cavalleresco “Oronte gigante ”), e culla anche di buoni poeti come, ad esempio, Rocco Cataldi, Cesare Giannelli, Tommaso Ravenna, altri ancora.

Quand’eravamo giovani, sapevamo poco dell’attività poetica di Giuseppe (Pippi) Greco, e lui, per la verità, data l’indole schiva ed essendo piuttosto defilato, nulla ci faceva trapelare. Ma, ad un certo punto della nostra vita, egli ha cominciato a donarci, quasi in modo giustificativo, delle bustine di plastica porta-santini, solo che al posto delle immaginette c’erano dei versi incorniciati ora di colori a pastello ora acquerellati. Sempre come si fa con i documenti importanti, Giuseppe poneva, a fine lirica, il suo nome e cognome, il giorno e non poche volte anche l’ora di composizione. Il motivo vero di questo suo comportamento non era tanto nel farci sapere che lui componeva versi, ma verificare le nostre reazioni rispetto a quello che di lui andavamo leggendo.

Bustine di versi

Per anni, forse a partire dal 1983, data della sua prima bustina – “’U specchiu sape” –, ho esortato Pippi a pubblicare in un libro le sue liriche in vernacolo. La risposta era sempre la stessa:

«Ma sai, con questa poesia ho vinto tale premio in quella città, con quell’altra ho vinto tal’altro premio, ...». E per quanto riguarda la pubblicazione, anche in questo caso, sempre delle mezze risposte del tipo: «Ma, mo’ vediamo»; «Sì, è vero, ci devo pensare seriamente»; e giù altre giustificazioni. Mai un dato certo, mai una risposta concreta. Poi, ad un certo punto – anno 2008 – finalmente Pippi mi telefona e mi dice: «Ho stampato il libro. È stata l’associazione “Progetto Parabita” che l’ha proposto e curato».

«Finalmente!», dico io, «Finalmente Pippi Greco. Quanta attesa e quanto difficile mi è parso questo parto!».

Ma perché Pippi ha atteso tanto a pubblicare? Fondamentalmente – almeno così io penso –nonostante i numerosi premi ricevuti come migliore poeta in vernacolo e migliore interprete e lettore della stessa, si è sempre considerato non all’altezza di una pubblicazione vera e propria. Ovviamente, chi lo conosce e chi lo ha letto sa che questa è una condizione tipica di chi veramente crede e ama quel che fa, senza nessun trionfalismo, senza nessuna enfasi.

Per quanto mi riguarda, in questi anni, mi sono abituato a vederlo vivere come un umile fraticello (nel senso francescano) che compone i suoi versi in vernacolo per poi presentarli ai suoi occasionali lettori e aspettare da loro un giudizio. Mai che l’abbia visto fregiarsi di questa o di quest’altra onorificenza; perfino gli stessi primi premi, da lui vinti in importanti concorsi di poesia, li cita con discrezione, quasi sotto voce.

Il libro

Dunque, finalmente il libro. S’intitola “Traìni te maravije/ misteri te culori te tanti jaggi/ Poisie ” (a cura dell’Associazione Progetto Parabita, giugno 2008, pp. 90, suddivise in 48 pagine di testi e 48 di immagini in quadricromia delle stesse liriche ma nella composizione colorata). Giuseppe (Pippi) Greco ci tiene a precisare che si tratta di una «raccolta d’opere di segni-colori-parole, tecnica mista/ dialetto di Parabita/ dialetto e italiano/ italiano». La traduzione del vernacolo è affidata a Giuliana Coppola, che riesce a conferire ai versi un ottimo italiano, mentre la prefazione è di Donato Valli che, infallibile come sempre, riesce a dissotterrare il senso vero del fare arte e poesia dell’autore. Scrive che la poesia di Giuseppe Greco rispecchia una nota di «classica sobrietà […]: poesie vivide di colori (anche il dialetto che usa senza ausili di retorica e di dottrina è, in fondo, un colore della parola), quadri densi di parole, cioè di messaggi e di tensione comunicativa. Le sue poesie si possono contemplare come si contempla un quadro; i suoi quadri si possono ascoltare come si ascolta una musica, una melodia […] Ciò significa che una stessa tensione, una comune suggestione anima le creature di Giuseppe Greco, che altro non sono se non l’oggettivazione dei suoi pensieri e dei suoi sentimenti. Le sue poesie costituiscono un teatro di apparizioni improvvise: bastano un segno, una traccia, una vibrazione perché gli oggetti inerti si animino di una loro vita e diventino autonomi […]. La loro caratteristica sembra essere, […] una sorta di impressionismo concettuale, cioè una fantasia tutta scontata nella dimensione dell’interiorità e che per questo non sente il bisogno di trasfondersi nella dimensione della forma, che rimane familiare, discorsiva, non perde la classica misura» (pp. 3-4).

Le poesie

Nel leggere le poesie, trovo che solo una di esse (“Sciòscia ” del 14.07.1996, h. 18,57) appartiene al piccolo tesoro di bustine contenenti le liriche colorate, donatemi da Pippi negli oltre 30 anni di nostra conoscenza e amicizia. Tutte le altre non erano di mia conoscenza e ciò mi fa sospettare che di certo la sua produzione va ben oltre la quantità da me intesa. Ce ne sono alcune di un lirismo sublime e di un attaccamento alla vita stupendo. Molte hanno nei loro versi persistenti richiami alle stelle, al cielo e alla luna, un po’ come metafora dei desideri impossibili, un po’ come astri che illuminano il cammino silenzioso e notturno del poeta. Che resta sempre attacato alla sua fede (cristiana) e innamorato ardente della sua terra. In “Salentu ”, scrive: «T’azi a lla mmane e viti lu sule/ ca nsce t’intr’a mmare a lla Palascia e/ la vèspara ca tramonta/ a Santa Caterina/ Brau!/ Stu morzu te terra/ ca se stende ‘mmenzu ‘mmare/ fra la Crècia e la Calabbria/ ‘ntornisciatu te scoji erti e dde/ sàbbia fina fina/ raccoje intr’a llu core chiese ricamate/ a Lecce/ a Vèneri a Paràbiita/ ‘i Màrtiri te Òtruntu/ Caddhrìpuli e Sulitu/ Uscentu e don Tninu/ Lèuca/ San Giseppe te Cupertinu/ e llu sule/ e ccummertazzioni te stelle/ te ‘state e/ qualche fiata l’arcubbalenu culora/ te mare a mmare/ ‘sta terra bbenatitta ca ‘mbrazza/ cinca vene e/ ‘mpuza a lla ‘nchianata/ pe’ lla clorria te Cinca l’ha ‘nventata » (p. 36).

A suo tempo, il possesso del volume che, nella veste tipografica, si presenta come un piccolo gioiello dell’antica arte di Gutenberg, mi portò a verificare i titoli delle poesie del mio tesoretto, scoprendo che le poesie presso di me sono: “’U specchiu sape ” (07.07.83); “’U celu crìggiu ” (1999); “Canisci te stelle ” (15.02.01); “A lla ‘mpete ” (19.11.2001, h. 18,38); “To’ francate ” (10.2.2002, h. 00,16); “’A luna jeu tie l’addhri e lle cose ” (28.7.2002, h. 7,53), stupenda poesia composta di XV brevissime strofe, della quale Mario Marti ha scritto: «elaborata e robusta appare […] come un giuoco di immagini e di movimenti, qua e là difficile da decifrare da parte di chi legge, ma sempre ad alto livello, o quasi sempre»; ”Veni ‘cqua vanda/ ca se vite ‘a luna ” (28.10.03, h. 21,11); “Marìsciu te Natale ” (26.12.03, h. 15,12); “Ttre rose” (29.01.04, h.13,45).

Si tratta di poesie il cui significato è di un’intensità profonda. Il poeta si specchia nelle profondità abissali del cosmo per riemergere con un’umanità viva e attenta al senso della vita, al senso delle cose, della natura e di quanto di più sacro c’è per ogni buon fedele del suo Dio, e Giuseppe (Pippi) Greco è veramente un buon uomo, soprattutto un buon cristiano, la cui religiosità tocca punte di armonia sublime. Leggere “Marìsciu te Natale ” è come assistere silenzioso e assorto ad una funzione religiosa dove il parto del Bambino lo senti vicino come vivo e presente: «’A luna come ‘u sule tante fiate/ se manìscia/ cu sse mmasura sula/ a mmenzu ‘ttante stelle/ sparpajate cusì/ oltre ogni ‘ndoru/ te luci te lanterne/ ‘mpise susu susu a ccraticciate/ intr’a teatri ‘perti intr’a a nnui/ ‘na fiata l’annu/ Tie/ a mmanu ‘na francate te culori/ cu pitti maravije/ ‘ncartate/ comu ricali/ pe’ nnui/ ca ddisegnamu ùli te comete e/ nne prasciamu/ a rretu ‘lli Re Mmaggi/ manu cu mmanu mentru/ ‘ luna/ ne ùnge tutt’e sire te misteri/ te luce janca janca ».

Il cielo grigio

Ma c’è una poesia in bustina che mi ha fortemente impressionato. È del 1999. Il titolo: “’U celu crìggiu ”. In essa, il poeta esprime un desiderio, che è poi il desiderio della nostra umanità, e cioè di come noi umani possiamo cambiare in bene la nostra vita, come tentare di creare un mondo nuovo con colori che meglio si addicono alla nostra dimensione di specie. Il punto di riferimento di Giuseppe Greco è Dio nella sua immensità di creatore dell’universo e così come Dio seppe fare, il poeta ci dice di fare anche noi come lui, sia pure nel nostro piccolo, cioè crearci un nostro piccolo luogo, dove sia possibile sentirci più adatti. È possibile che qualche volta alcuni colori (occasioni della vita) possono non piacere o sembrare meno adatti alla nostra condizione di vita, ma non possiamo negarli, perché essi fanno comunque parte della nostra quotidianità e noi abbiamo la possibilità, quando essi non ci piacciono, di osservarli sotto altri aspetti, con altri occhi, con una prospettiva propria e nuova.

Nei primi versi Greco scrive che il contrasto del cielo grigio è di madreperla quando si staglia oltre l’alto del verde degli ulivi, mentre a fine poesia, annota che se a qualcuno quel grigio non dovesse piacere, può sempre immaginarselo come dipinto di celeste. Si tratta di una metafora che ci dice che noi possiamo stare bene se stiamo bene con noi stessi e se quel “noi stessi” sta bene con gli altri. Oltre la metafora. ci è data la possibilità di guardare tutte le cose, anche quelle che non ci piacciono ma, se sappiamo guardarle bene, non dovrebbe esserci difficile scoprire che in esse c’è anche qualche cosa di buono e di utile. Tutto ciò che ci circonda, in primo luogo l’immensità del cielo poetico, altro non è che il riflesso del nostro stato d’animo. Se un giorno ci sforzeremo di essere felici anche il cielo grigio diventerà sopportabile e, nella nostra immaginazione, si tingerà di celeste.

Il cielo grigio sono i nostri sentimenti di tristezza e malinconia, ciononostante il poeta ci consiglia di avere fiducia e tanta voglia di vivere perché, prima o poi, le difficoltà si supereranno. Bisogna colorare di rosa la vita comunque essa sia, solo così possiamo vederla sotto luci diverse. La poesia – sempre – rispecchia la bellezza del creato, che si vede essenzialmente di giorno. Infatti di giorno si possono notare piccole ed insignificanti meraviglie che non potremmo notare di notte come, ad esempio, il vagabondare delle nuvole. Le piccole opere sono le più grandi in quanto noi dobbiamo sapere ammirare la bellezza dell’ambiente che ci circonda. Nella vita non bisogna demoralizzarsi come quando fuori dalla finestra vediamo il cielo grigio, perché siamo noi a dargli alcune sfaccettature di colore. Basta volerlo, in fondo anche nel buio si può aprire una luce. L’importante non è quello che troviamo alla fine della salita… l’importante è quello che troviamo mentre la saliamo. I cieli grigi arrivano dentro di noi quando meno ce l’aspettiamo. A volte hanno la furia di un uragano, a vote sono lievi come brezze. Ma non si possono negare perché dopo ogni grigio c’è sempre un cielo sereno.

‘U celu criggiu

‘U celu crìggiu è ccomu ‘e matreperle

se vite cchiui te jernu quandu ‘u verde

te l’àrbuli t’ulie ete cchiu’ verde

e cquandu ‘u celu crìggiu

se strazza ìssutta ‘mmare

e dduma tanti russi e gialli e rrosa

ddisegna le nuveje vacabbonde

nui fuscimu a ssusu ìi monti erti

cu bbitimu ‘i quatri t’u Signore

e nne ‘nguacchiamu te luce te tanta luce

a lla nchianata

ma a ttie ci nu tte piace

‘u celu crìggiu

pija t’intr’a ttie

nu picca te celeste e

ddani ‘na llappata.

L'Antologica di Anna Maria Massari

Mauro Marino

Anna Maria la ricordo, la incontravo nella saletta di via Santa Maria del Paradiso, la sua 'casa' d'arte con Rita Guido e Silvia Mangia. Oggi lì abita il Fondo Verri, in una continuità di progetto che lega e alleva storie. La sigaretta sempre accesa, una voce densa di ironia col dialetto pronto, a sottolineare. Aveva grandi occhiali attraverso quelli guardava il mondo. Di lato lo guardava, di traverso, con la sua vérve critica sempre accesa. Sarà che l'arte le apparteneva intera, respirata sin da bambina, suo padre era Michele Massari, suo fratello Antonio, artisti di grandi visioni e di adorabile manualità.
Certe volte Lecce sorprende, fa doni inaspettati e la voglia di guardarsi nell'intimo produce eventi che ridonano senso e conseguenza a storie dimenticate. E' il caso di questa antologica realizzata con grande cura e passione da Lorenzo Madaro con il prezioso ausilio di Francesco Porpora.
Un luogo al riparo! Un luogo salvo! Non c'è lo stucchevole respiro del restauro negli spazi del Monastero delle Benedettine che ospitano i lavori di Anna Maria Massari, c'è un austero decoro. Non c'è eccesso di luci, c'è il dover guardare. Le opere sono lì agli occhi!
Antonio Massari seduto su un divano rosso - nella terza delle sale che ospitano l'Antologica - chiede: «Cos'è il passato? Papà, Anna Maria, le cose care, la casa. Cos'è il passato?». Che rispondere? Il passato è cosa della memoria. Lo conserviamo, finché in noi dura. Torna il passato, muove il tempo ma non colma la mancanza. Quella no, rimane intatta. Persa nelle pieghe, se è la presenza che inseguiamo. Il concreto esserci di ciò che non è! Non è più! Morire è non sapere, inseguire la morte è non sapere!
Anna Maria Massari è morta nel 1993, il 28 marzo. Stagione triste per i selvaggi del Salento, tanto cari ad Antonio L. Verri. Non c'erano più Totò Toma ed Edoardo. Da lì a poco non ci sarebbe più stato neanche più lui, con noi, volato via. “Ci sarà un sabato e poi la domenica” aveva scritto. Il dono della veggenza lo abitava, sapeva?! Non so dire! Ci lascio la città, a noi continuare. A noi il tempo, il costruire. A noi farci “selvaggi”, vivi vivi, allo stupore!
E allora, cos'è il passato?
Di fronte a noi un monitor racconta Anna Maria. Le sue fotografie da giovane. Era bella Anna Maria. La guardo, seduta ai tavoli di un bar, gli anni cinquanta, Firenze. Un'altra foto la ritrae in compagnia di un'amica c'è ghiaccio dietro, ridono. Era bella Anna Maria! Le immagini scorrono, portano scrittura. Parole e ricordi: è questo il passato? Questo impasto che facciamo per non perdere il contatto, per non rompere il filo con chi ci è stato caro? E continua ad esserlo.
Qui, ci sono le opere! Quella era (è, a noi) la sua vita, la sua poesia.
Un'irrequietezza creativa che si muove, sollecita, attraversa, sperimenta tecniche e modalità differenti. Carte, incollaggi di trasparenze, cellophane, texture e trame fotocopiate, matite, china, i graffi dell' acquatinta, l'impasto dei pastelli e la velocità del pennarello. Una leggerezza ancora presente, necessaria, che fa sfida, sommuove l'animo. Interroga! All'ingresso una grande cornice in cartapesta chiude un ovale vuoto. Il colore essenziale della carta, piccole tracce di fuocheggiatura. C'è un assenza che sconcerta che invita a cercare. E' questo il passato?

Edoardo De Candia

“La contrada del poeta” ed “Edoar Edoar” delle edizioni il Raggio Verde

“Edoardo De Candia nacque a Lecce nel 1933 da Giuseppe e Margherita Querzola. Il padre fu guardia carceraria proveniente dall’isola di Procida…”

Poesia sull’acqua, mare d’approdo e partenza. E, quando la Parola s’affaccia come grido disperato: «Carte!/chi vuole carte./ Carte dipinte di giallo,/ di rosso,/ carte di colore blu!/ Vuoi una carta anche tu?/ Ma insomma: Uei cu te la catti?/ dipinte… con… della solitudine,/ della sofferenza,/ carte dolenti…»

L'Arsapo

Francesco Pasca

Il mondo dell’Arsapo, così come descritto fra le nuvole di carta di un libro è la metafora di aspettative di chi gironzola fra le pagine dello stesso. La Contrada per l’Arsapo è la rivendicazione di un possesso che non vuole essere una concessione, ma l’appartenenza da sempre a quel Luogo. Chi si avventura per quella infinita e silenziosa porta: “…vede e non vede il piccolo principe/ sul viale del giardino/ […] volteggia nell’aria al traino di uno stormo di pettirossi/ […] nel cielo a spicchi di marangia,/ alla ricerca del suo pianetino/[…] verso tenere donne dal nord venute e amate tanto/…” (pag.47). Per quelle vie, margini di pagine, confini immaginari di parole, è facile incontrare quelle aspettative come il sentire il proprio reclamare. Ti è chiaro quel rivendicare. Questo è l’Arsapo. É questa la Contrada. Così è descritta per le Edizioni Raggio Verde, (ne “La contrada del poeta”) ISBN 978-88-8966345-5 - € 20.00, settembre 2008. Un libro solitamente si scorre. L’andare è rettilineo, la sosta è il tornare o il lasciare. Nelle centotrentaquattro pagine di questa Contrada descritta da Maurizio Nocera non v’è direzione. L’andare è libero, può iniziare con “i tuoi capelli sono stelle filanti” o con “Fuoco Odoacre, Fuoco!”. È trovarsi circondati dal “tu sapevi del nostro atroce destino” o da “figli, vostro padre uccidete”. È salire in alto, in alto, in alto, con “l’Arsapo che volò” o adagiarsi sul “crepuscolo nel mare di Gallipoli”. La direzione non è segnata. È l’Arsapo che guida con discrezione ogni Coscienza. È segnato, quel trovarsi, a pag. 41 “nel vecchio labirinto di nostro fratello indio il Minotauro” e fa ritornare sui propri passi a pag.39, “sotto gli sguardi feroci della superba Cornuta”. Questo è l’andare, così come è il trovare: “c’era il pane, quello della neve e quello della nave di Telemaco”. Ma cosa fa di concreto l’Arsapo-Angelo-Poeta tra le pagine di un libro? Non può passare inosservato il suo fare. Eccolo allora attraversare “i territori dell’effimero” con l’adagio di sempre (pag. 45) e: “pietre raccoglie […] Forme stravaganti hanno le pietre del Poeta:[…] Crescono le pietre … Crescono come rosario antico delle nonne”. Percorre un sentiero lungo da pag. 45 a pag. 52. Altre volte un altrettanto sentiero da pag. 13 a pag.21. Il suo ritmo è scandito dal salto di un serpentello di inchiostro dove la pausa è Verso, il tempo è il Senso. Il libro esce fuori dal libro, va collegarsi con altri testi, con altrettanti Versi che hanno il nome di altri Arsapi. Fuoco Odoacre, fuoco! Quanti sono gli Arsapi? Quanto occorre essere Fintotontopazzo per essere Arsapo? Quante volte occorre mostrasi Nudi dinanzi al mondo, ma non come finti-tonti-Re? Quanta strada occorre percorrere in quella Contrada? Quanto, in quel pendolo magnetico di Spigolozzi occorre sostare? Quante pietre, monoliti, come dice l’Arsapo a pag. 57, occorre scolpire? “Ar ha scolpito l’incontro della natura umana/ col suo equilibrio interno./ quale luminosa finestra che sa trafiggere i mali del mondo:/la disperazione, la noia, la stupidità”. Apprestandomi ad Uscire dalla Contrada come il “Fanalista d’Otranto”, ascolto: ”L’uomo al faro in bicicletta va/sul Colle della Minerva oltre il Ceppo/degli Ottocento eterni martiri/al collo la sciarpa sventolante…” (pag. 65) che dice … «attraversate anche Voi “la Contrada del Poeta”».
Edoar-Edoar la struttura percepibile. Dalle mie letture ho appreso che la formazione di un concetto, quella sorta di astrazione o di strana associazione di concetto alla stessa astrazione, è riconducibile sempre ad un’idea o a quante di queste se ne possono estrapolare, e, con altrettanta associazione, a quante se ne possono ricondurre alla propria realtà. Questa accettazione si fonda sulla capacità della mente umana di assecondare i micro aspetti di ogni esperienza e si può concretizzare in una visione condivisibile. Sensorialmente, bruttissimo termine, ma l’uso, è paragonabile ad uno schema formato unicamente dalle unità di percezioni, essenziali per ogni ricognizione, e si identifica con quell’esperienza, la mia in questo caso. Non sempre si ottiene, o per meglio dire, non sempre si incontrano Arsapi che attraversano questa forma concettuale e giungono o fanno giungere a risultati condivisibili. Dal momento che non è possibile universalizzare il dato sensoriale, quanto mi appresto a dire sembrerebbe una via d’uscita alla contraddizione, la mia. Spero che tutto ciò non lo sia, che il puramente personale sia pertanto condivisibile. Comincia qui l’arcano. Quella formazione del concetto, può sfuggire?! Quell’assecondare ogni micro aspetto di quell’esperienza può, concettualmente, non rendersi condivisibile? L’universo, l’esagerazione del termine, qualche tempo fa correva parallelo. L’Arsapo per un periodo non quantificabile fu eco ma non-parola definita, fu termine non identificabile dal mio sensoriale. il “La dell’oboe” così come è definito da Edgar Coons e David KraehenBuehl – (Informazione come misura di struttura in musica), in (a) quel tempo era ancora sub unità sfuggita alla coscienza perché non perfettamente inserita nel mio contesto culturale. Con Edoar-Edoar, dal colophon luglio del 2006, così si consegnava nelle librerie l’uscita del suo ennesimo libro. Edizioni ilRaggioVerde - per la collana “inediti” - diretta da Antonietta Fulvio. € 13,00 Del termine colophon ho un ricordo. È un dialogo su che cos’è il bibliofilo. Scrissi, poi, una lettera in tal senso in occasione del convegno tenutosi dal 22 al 30 novembre 2007, nella Sala "Teodoro Pellegrino" della Biblioteca Provinciale "Nicola Bernardini" di Lecce per la Mostra Antologica delle Edizioni Tallone. Riassumendo: «per noi bibliofili, l’importanza del libro è il colophon, come questo è presentato. Il colophon è data, è la sua identità, è didascalia ordinata, disegnata, è l’anima del libro. Il resto ne consegue». Perché dico questo e, a domanda, rispondo!? La struttura del libro, divenne, è percepibile. Non è il colophon, ma è come se lo fosse. Con l’Avvertenza di Edoar-Edoar, “Edoardo De Candia nacque a Lecce nel 1933 da Giuseppe e Margherita Querzola. Il padre fu guardia carceraria proveniente dall’isola di Procida…”, Nocera anche in questa occasione si consegna a noi prima come Storia, poi come infinite anime della stessa. Di Edoardo, credevo di conoscere tutto. Chi come me ha vissuto a Lecce negli anni '60 - '70 da apprendista pittore, non può aver dimenticato il matto, il fintotontopazzo, il possente vichingo. La lieve, sommessa e doverosa introduzione con il ricordare quell’isola di Procida, ebbe la capacità di ricordarmi altre fantasie riconducibili come la eco di quel Edoar-Edoar. Lecce, Milano, Londra, “Il Sedile”, “La Cornice”, “3A”, “BelleArti”. Il Mito dei miei giovani anni, il Mito dei Miti che è il Volo da Icaro in poi. Tutto divenne Avvertenza. Altrettanto magica è la lettera di Francesco Saverio Dodaro.(pag.7) Saverio mi appare ancora oggi come uno smarrito naufrago in quel “utero oceano della Verità, dove la calma è tempesta, il silenzio è urlo”. E’ sempre Dodaro a sollecitare quella eco: “Maurizio per favore, dì di non urlare. E di non inquisire”. “Il La dell’oboe”, in Edoar-Edoar, ha il giusto verso, non è più frammentario ed astratto, ma oggettivo e materiale. Nocera si identifica con lo stesso tratto-ritratto segnato dall’Edoardo nell’ottava pagina, la cui nona ne diventava l’inno alla Eco-Edoar. Tutto il carattere di Edoardo è scritto come quel segno. É prima scarno, poi breve, poi profondo, scuro, chiaro. É lo stesso mondo in fuga dell’amico descritto odori-cadute-voli-albe-disperazione-nero-nero-nero-sesso-rutto-scorreggia-vino-whisky. Naturalmente nel libro non mancherà anche a Voi, leggendolo, di essere attratti da Antonio Verri. Nel leggerlo, per me, quella eco divenne, è: “Edoardo, un cavaliere senza terra”. Un’eco di falò dove vengono descritti due giovani artisti (anche Saverio Dodaro) “come purissimi cavalieri, morbidi, buffi, curiosi, rigorosi …”. Dire cosa bruciassero diverrebbe la mia trasgressione. Da pag. 25 a pag. 35 c’è di quanto più gigantesco possa esserci. (testimonianza tratta da Sudpuglia, 3 settembre 1988, pp.137-148). Il libro di Maurizio Nocera divenne Storia, divenne Dialogo. Oggi per me è anche Immagine, è il “La dell’oboe” che saltella e si fa Verso-Suono. Edoar-Edoar è Sentire la Storia e non tralasciare, ma riferire: «Non vogliono la morte per i miei quadri, mi vogliono morto perché mi credono felice. Idioti!».(pag.32) Nel libro c’è il crono-Storico. Si narra una Lecce turbata dalle “irruzioni” di un fintotontopazzo dalla fine anni cinquanta sino alla morte di, del Vichingo, avvenuta nell’estate del 1992. Ma non v’è solo la crono-Storia. É anche Poesia scritta come il sussurrare di una frase delicata e dedicata alla propria compagna di nome Parola. È Poesia sull’acqua, mare d’approdo e partenza. E, quando la Parola s’affaccia come grido disperato: « Carte!/chi vuole carte./Carte dipinte di giallo,/di rosso,/carte di colore blu!/Vuoi una carta anche tu?/Ma insomma: Uei cu te la catti?/dipinte … con … della solitudine,/della sofferenza,/carte dolenti … » (pagg. 19-20). Sempre e comunque, l’Arsapo, ritorna a sussurrare la Parola, ad amarla. È segno “eroico” di Edoardo.(pag.21) Le foto tra disegni e citazioni, sono come l’episodio narrato in postfazione da Antonio Massari: Il bianchetto sul vetro:“…afferra da terra un blocco di ghisa, lo solleva ciclopico sulla testa, e lo scaglia contro il cristallo che con rumore esplode e va in frantumi. E dice: - Più pulito di così non sarà mai - “. Immenso è Edoardo, anche Lui Arsapo-Angelo.

Papagna

Musica/ Raffaella Aprile

Da Anima Mundi il disco di esordio di Raffaella Aprile. Dopo la lunga avventura con Officina Zoè e l’esperienza nell’Orchestra della Notte della Taranta guidata da Ambrogio Sparagna, Raffaella Aprile ha collaborato a numerosi progetti e ha firmato, con Antongiulio Galeandro, la mappa sonora del documentario Radio Egnatia di Davide Barletti (Fluid Video Crew).

Mauro Marino

“Se è malincunia lassala fore!”. Quanti “alleati”, possibili!, ricordi Carlos César Salvador Aranha Castañeda? L'alleato! Il vento carezzava, in 'volo'. L'estasi e la visione mischiati insieme a portare esperienza. In volo, in volo tra la 'quiete' e la 'paura' c'è il viaggio! L'amore è l'odio intrecciano traiettorie, continuamente, nell'attimo frangono ogni limite, ora dopo ora, giorno dopo giorno. E noi, piccoli piccoli, in cerca d'un lievito possibile, alla consapevolezza.
Papagna, dormire, trovar pace! Dimenticare! Dimenticare! Io porto bene! Io sono nell'euforia carne e sogno! Carne e sogno! Sono uno!
C'è un canto che viene, al riparo dal Tempo. Torna e mischia parole, voci, climi, sentire. La lingua lo attraversa, impasta i suoni. Quant'è larga qui, in questo Sud! Sembra unica nei dialetti, suona, fa onda, come un mare. Acquieta, unisce. Come un dormire, un 'perdersi'. Papagna, culla, sogno, carezza! Altro sentire.
Raffaella Aprile è interprete di grandi ascolti, di esperienze lunghe, traversate d'un fiato, accudite poi, e maturate all'ombra della tradizione trasnazionale della cultura grika. C'è il Mediterraneo ad accogliere. L'altra sponda, la sua vastità e tutte le possibili sintonie.
E qui, accudito nel 'tondo' del disco, trovi ciò che il 'popolo' ancora è! Noi siamo popolo!
Anche noi? Solo noi! Che il resto è preda! Noi “vivi” con la nostra sensibilità mischiante, attenta, capace d'accogliere. Il resto è preda, nella soggezione, nella sordità, nel non che non vuol sapere!
Nove tracce in “Papagna”, stornelli, filastrocche, pizziche, che non sono più stornelli, filastrocche, pizziche, sono altro! Un pretesto, nell'essenzialità scrivono la traiettoria, al divenire del suono, al canto. La voce è continua scoperta, toccare dentro se corde incompiute, svelarle, salvarle portandole al pubblico. Altro popolo!

In “Papagna”, Raffaella Aprile - che è anche produttrice del disco edito da Anima Mundi - è affiancata da Emanuele Licci e Cosimo Romano (che hanno curato con lei gli arrangiamenti), Michela Bruno, Giancarlo Paglialunga, Francesco Abbatiello e supportata da Enza Pagliara, Antongiulio Galeandro, Silvia Gallone, Marco Marinelli “Vitello”, Marco Tuma, Cristiano Costantini, Mario Rugge.
Interessante la scelta dei nove brani che compongono il cd: “Malidettu lu cinquanta” è un canto tradizionale datato 1950 nella sua versione originale ripresa sul campo da Alan Lomax e Diego Carpitella e presente in “Puglia: the Salento”; “Catarinella” è un canto tradizionale appreso dalla famiglia Zimba di Aradeo che si allaccia al filone tradizionale delle carceri; “Òria mu” è una composizione di versi poetici in griko adattati a pizzica secondo una consuetudine molto frequente nella musica popolare; la tradizionale “Pizzica di Aradeo”; “Canaja”, questo canto, che si rivolge a San Francesco (così si chiamava il vecchio carcere di Lecce), è noto ai carcerati salentini. Tra le versioni conosciute anche quella di Niceta Petrachi detta Simpatichina presente in “Malachianta” edizione Kurumuny; “De Notte”, su aria tradizionale, è un canto moderno che descrive la notte degli amanti; molto orecchiabile “Lu zinzale”, una filastrocca popolare del Capo di Leuca, “Fei?” è una poesia anonima grika musicata dalla stessa Raffaella Aprile e da Antongiulio Galeandrò con sonorità balcaniche.

Per Anna Maria Massari

A Lecce, Monastero delle Benedettine, a cura di Lorezo Madaro

la mostra antologica dedicata alla ricerca di Anna Maria Massari (1929-1993)

COLOMBA IN VOLO
Maurizio Nocera

Anna Maria Massari silenziosamente entrava nella casa di Ada Donno, nel Quartiere Leuca, ancora prima delle 8, l’ora della campanella per il suo ingresso nella Scuola Media “Salomi”, quando questa era ancora ubicata nell’ex Onmi (Opera Nazionale Maternità e Infanzia) di viale Marche. Ada, all’epoca, era ancora libera da impegni professionali, per cui aspettava Anna Maria sulla porta di casa; conosceva esattamente il tempo del suo arrivo. Poi, assieme facevano colazione. A quel tempo, io ero impegnato ad insegnare in scuole lontane dal capoluogo salentino, in provincia, per questo al mattino mi dovevo alzare presto e partire quanto prima possibile, per cui stavo seduto appena un po’ al tavolo del tinello per fare una veloce colazione e godermi come desideravo la conversazione con loro due. In quei pochi momenti però riuscivo ugualmente a scambiare qualche opinione con Anna Maria. Lei aveva un modo tutto suo di dire le cose, tanto che, dopo averla detto, ogni cosa assumeva la dimensione giusta. Magari, durante il giorno precedente erano accadute cose incredibili, poi arrivava lei, diceva appena qualche frase e tutto ritornava ad essere chiaro. Per questo suo modo di dire e per molto altro ancora debbo veramente molto ad Anna Maria. Lei era una che pesava le parole ed era dotata di un dono straordinario: conoscere la materialità dell’alfabeto, quindi delle singole lettere e del loro peso specifico. Per questo i suoi giudizi sull’arte, sulla politica, sul modo di essere e di fare degli uomini e delle donne erano per me assoluti indicatori di orientamento. Non straripava mai. Io e Antonio Leonardo Verri, dopo averla ascoltata in silenzio, alla fine concordavamo su molto. Fu lei ad indicarci la strada per raggiungere il cuore di Edoardo De Candia, che lei conosceva bene, essendo stata l’unica donna che veramente amò quell’animale celeste. Fu lei che di fatto ci introdusse nel circuito degli artisti di Lecce, che ci allargò il respiro della visione di un mondo colorato.

Era il 1984 quando le chiesi di darmi una mano per organizzare la Mostra dei pittori salentini per la Pace e la Vita contro la guerra nucleare. Fu quella una delle più belle manifestazioni artistiche collettive, dove riuscimmo a coinvolgere 64 artisti salentini. Eccone l’elenco: Donato Paolo Baldassarre, Vittorio Balsebre, Emilio Bracciale, Antonio Bramato, Roberto Buttazzo, Mario Cala, Antonella Casciaro, Renato Centone, Carmine Chirizzi, Franco Contini, Lucio Conversano, Antonio Corchia, Ruggero D’Autilia, Edoardo De Candia, Giovanni Dell’Anna, Sergio Del Prete, Cesare De Salve, Dino De Simone, Vittorio Dimastrogiovanni, Luisa Elia, Gabriella Epifani, Salvatore Fanciano, Pietro Fanigliulo, Enzo Fasano, Oreste Ferriero, Tina Foscarini Bianco, Rosa Maria Francavilla Maritati, Tonio Gallo, Pietro Giammarruco, Josè Greco, Sandro Greco, Rita Guido, Flavia Leo, Pietro Liaci, Salvatore Lipari, Corrado Lorenzo, Ernestina Lo Rizzo, Patrizia Lucia, Lionello Mandorino, Mimmo Marullo, Antonio Massari, Roberto Migliaccio, Silvio Nocera, Pina Nuzzo, Armando Papes, Carlo Politi, Romilda Prastaro Lanzillotto, Tino Rho, Nino Rollo, Marisa Romano, Giovanni Sances, Paola Scialpi, Gianni Scupola, Enzo e Carlo Sozzo, Francesco Spada, Raffaele Spada, Orlando Sparaventi, Pina Sparro, Gigi Striani, Natalino Tondo, Franco Ventura, Alberto Zacheo.

Senza Anna Maria Massari, nonostante i tanti amici artisti, sarebbe stato impossibile per me e per Verri realizzare quell’iniziativa, che si tenne dal 29 aprile al 6 maggio 1984 a Lecce. Per l’occasione, fu lei che ci rese possibili i contatti con gli artisti. Quando, alla fine della raccolta delle opere dei 64 artisti, assieme ci stavamo recando alla sala della Biblioteca provinciale per l’allestimento, mi accorsi che proprio lei non si era inserita nell’elenco. Eravamo ancora in auto, quando con tono allarmato le domandai: “Ma Anna Maria, in questo elenco tu non ci sei! Perché?”. Dopo una breve pausa, ecco la sua riposta: “Va bene, adesso che arriviamo in biblioteca farò anch’io qualcosa”. E la “cosa” che lei disegnò in soli due minuti, fu la più bella di tutta la mostra, tanto da divenire il simbolo dell’intera iniziativa.

Per la domanda di adesione degli artisti avevamo composto un comunicato con sovrimpressa l’immagine diel disegno di una colomba inedita di Rafael Alberti, il noto poeta artista spagnolo. L’avevo incontrato l’anno prima (1983) a Praga, capitale dell’allora Cecoslovacchia democratica e popolare di Gustav Husak, nell’occasione della Grande Assemblea Mondiale per la Pace e la Vita. La delegazione italiana, di cui facevo parte, mi aveva indicato come membro della Commissione cultura di quella straordinaria assemblea, presieduta anche da Gabriel Garcia Marquez. Capitò a me di sedere accanto a Rafael Alberti, col quale scambiai qualche parola. Rafael ascoltava gli interventi prendendo appunti su un block notes, appunti che di tanto in tanto intervallava con disegnini di colombe per la pace. Fu questo uno dei doni più belli che riportai da Praga a Lecce e che poi divenne l’immagine con la quale chiedemmo l’adesione alla Mostra leccese degli artisti salentini.

In due minuti Anna Maria Massari realizzò un disegno che racchiude tutta la simbologia dell’evento: un lungo “continuum ” in blu e rosa che attraverso volute e giravolte alla fine assume la forma di una colomba in volo. Si tratta di un’interpretazione straordinaria e di assoluta bellezza del simbolo, talmente significativo che, a fine manifestazione, divenne il simbolo della Mostra per la Pace e la Vita di Lecce. Il disegno, per decisione del Movimento italiano “Pace e Costituzione”, composto dai padri costituenti e dai costituzionalisti Luigi Arata, Ettore Biocca, Guido Calvi, Michele Coiro, Mario Coluzzi, Manlio Giacanelli, Giobatta Gianquinto, Lucio Luzzatto, Geo Rita, Manlio Dinucci, fu stampato su ogni nostra iniziativa e comunicato successivi.

Nella compilazione della risoluzione di quell’iniziativa venne pienamente coinvolta anche Anna Maria Massari, per cui, in quel testo c’è anche il suo pensiero. Questa la parte significativa: «È stato detto che le guerre non nascono solo nelle fabbriche di armi, ma anche nelle menti delle persone. / Profondamente convinti di questa verità, noi artisti ed intellettuali salentini, partecipanti alla mostra allestita nella Sala delle conferenze della Biblioteca provinciale “N. Bernardini” di Lecce, abbiamo voluto riaffermare la rilevanza ed il ruolo fondamentale della cultura e dell’arte nell’educazione e mobilitare la gente alla lotta per la pace e la vita, contro la guerra nucleare. / Con la nostra presenza, in questo momento cruciale per la storia della civiltà umana a causa dei pericoli incombenti di una guerra nucleare mondiale, abbiamo voluto testimoniare la nostra convinzione che difendere, consolidare e salvaguardare la pace è oggi il dovere di ogni uomo e ogni donna. Tutti noi che lavoriamo nel campo dell’arte e della cultura possiamo, attraverso la nostra professione e le nostre opere, contribuire ad aprire gli occhi a tutti, al di là delle diverse opinioni filosofiche, politiche e fedi religiose, per una coscienza civile tale che, quei governanti che perseguono progetti di guerra nucleare siano posti sul banco degli imputati davanti al tribunale morale del mondo. / Appellandoci ai valori universali della cultura e dell’arte, ci impegniamo a compiere azioni ancora più energiche a favore della pace e del disarmo mondiale. / Esigiamo dai nostri governanti che prendano misure concrete per la cessazione della corsa agli armamenti. / Esigiamo la riduzione delle spese militari, affinché le risorse della Terra siano impiegate a risolvere i problemi sociali, a combattere la miseria, le malattie, l’analfabetismo e tutti gli altri mali che affliggono l’umanità. / Esigiamo lo smantellamento delle basi straniere che sono sul territorio europeo, la creazione di zone denuclearizzate e di pace, nei punti caldi del globo, lo scioglimento dei blocchi e delle alleanze militari contrapposti. / Siamo pronti a cooperare e ad agire di concerto con tutte le forze della pace, in nome dei più nobili ideali di fratellanza, di libertà, di giustizia sociale, affinché il cielo resti puro sopra il nostro pianeta».

Fu così che questo appello sovrimpresso dalla colomba di Anna Maria Massari raggiunse Xavier Perez de Quellar, allora Segretario Generale delle Nazioni Unite a New York; raggiunse l’indiano Romer Chandra, Presidente del Consiglio Mondiale della Pace; raggiunse lo scienziato medico italiano Ettore Biocca, allora vice Presidente della Ippnw (Associazione Mondiale dei Medici per la Pace), in quegli stessi anni premiata a Stoccolma col Nobel per la Pace.

A me e a Verri accadeva di incontrare Anna Maria o presso la mia casa o presso la sua, a Lecce, in via Sozy Carafa. Lei ci aspettava di pomeriggio sul tardi; ci sedevamo ad un tavolo quasi sempre ricolmo di disegni, cellophane, pastelli, ecc. Quindi ci metteva al corrente delle cose dell’arte e di chi dovevamo inseguire per dare sfogo ai nostri curiosi interessi. Anna Maria è stata per noi una miniera inesauribile di conoscenze e di dati difficili da reperire.

Parlando del Gruppo Terra d’Otranto, costituito nel 1979 dalle artiste salentine Rita Guido, Rosa Maria Francavilla Maritati, Anna Maria Massari, Marisa Romano e Pina Sparro, il fratello traccia un suo breve profilo d’artista. Questo: «Anna Maria Massari […] (riconosciuta per coraggiosa, rara ammissione dello stesso gruppo) […] è l’artista. / Quando era piccola impressionava i “grandi” che frequentavano la mia casa per le doti eccezionali. Io ricordo le mani dell’angelo violinista di Melozzo, ricordo i pulcini e i rami di pesco ad acquerello, Cucciolo, il cerbiatto e il modellati in argilla e colorati dopo la cottura, ma non basta: Anna Maria, al venti per cento ha lavorato ai pastori gotico-rinascimentali in terra cotta dipinta di Michele Massari, magici perché di notte “parlavano”; […] Ha anche completato un Filippo Lippi a lunetta gotica che la morte di papà aveva interrotto. Ha dipinto, di sana pianta, i paesaggi secenteschi di scuola napoletana per il mitico avvocato Guacci e… mai che si potesse distinguere la sua mano da quella del padre. […] Oggi, dopo un intervallo di 30 anni […] Anna Maria, miracolosamente, ha ripreso il lavoro. Incide i personaggi notevoli di ogni città di provincia: il patriota fanatico, il poeta sofistico, il venditore di immaginette sacre, […Il suo] disegno più bello, tuttavia, resta la bambina, sul muro di campagna, in equilibrio come la vita, con un cagnolino legato a un filo di coda di cavallo che vola come un fiore o un ombrellino cinese: il cagnolino è una farfalla: la figura è vista dall’alto, ti viene incontro; il muretto si rastrema in prospettiva come una stradina su due abissi: in caso di caduta una farfalla può salvarci, accompagnandoci dolcemente al suolo fra le rape e le cicorie… e credo che oggi le quattro piante disperate dal vento e dal gelo della Contrada l’abbiano veramente salvata!».

E poco oltre, Antonio Massari scrive ancora che Anna Maria «parla con i serpenti, “li castarieddri ” (gufi), le “ranocchiule ” (rospi), e i “cola ” (corvi) […]. Da quando ha sfamato e liberato da ferri e catene “Bolla di sapone” […] tutti i cani della contrada si danno convegno sempre più numerosi al rancio. Uno: “il vecchio Geremia” sciancato dai reumatismi porta la pelle ruggine, caffé e pecora come una logora, larga pelliccia» (cfr. A. Massari, “Io sono straniero sulla Terra ”, Milano, Edizioni D’Ars 1999, pp. 130-132).

Quanto scrive Antonio Massari è assolutamente vero, perché effettivamente l’artista aveva un rapporto stranissimo con gli animali. Chi non ricorda con quanto amore curasse i randagi che le capitavano sotto i piedi sia in città che in Contrada Dottoressa Rapesta? E forse ci sarà stato anche un buon motivo se suo marito, Nando Porpora, al tempo del loro fidanzamento, la chiamasse “leprotto” o “leprottina”. Ciò che è certo, e questo io lo ricordo benessimo, Anna Maria riusciva ad essere avvicinata, senza crearsi né creare ad altri mai alcun disagio, da qualsiasi animale come gechi, lucertole, rane, ragni, serpenti, pecore, capre e via scrivendo.

Ad un certo punto, nello scritto (1983) del fratello c’è la frase: «Oggi, dopo un intervallo di 30 anni […] Anna Maria, miracolosamente, ha ripreso il lavoro». Se andiamo a ritroso nel tempo, vediamo che partendo dal 1983, dopo 30 anni, incontriamo appunto il 1954, anno in cui il padre Michele Massari, lo straordinario ed eccelso pittore post-impressionista morì, a soli 52 anni, a causa di un banale incidente d’auto. Lo sgomento dei due giovani figli fu annientante: Anna Maria, che aveva solo 25 anni, non disegnò e non dipinse più; si chiuse nel suo più intimo segreto; Antonio, che aveva 22 anni, invece, appena qualche anno dopo, era il 1957, andò via da Lecce, potremmo dire in modo quasi definitivo. Ed è ancora lui che ci ricorda l’arte e le vicende artistiche della sorella. Ed ancora, in “Io sono straniero sulla Terra ” scrive: «Ben presto Anna Maria rivela un talento pari al talento di Michele Massari, un talento ereditato. […] Papà a tal punto si fidava di lei da farsi dare una mano nella pittura, nella scultura, nel disegno […] A cinquant’anni forse, Anna Maria ha ripreso a lavorare, giocata, questa volta dall’arte contemporanea con le opere che assorbono la luce: stratificazioni di fogli di cellophane o acetato fino a suscitare la molle, dolce, antica luce della perla e con vaporosi pezzi di lenzuola delle Ferrovia dello Stato» (cfr. Op. cit. , pp. 452-453).

Prima della sua chiusura artistica per alcuni decenni, l’ultimo suo intervento pubblico fu la partecipazione alla Prima Biennale dell’Incisione Contemporanea in Italia, promossa dall’Associazione “Incisori d’Italia” (Torino – Milano – Roma) e organizzata dall’Ente Provinciale per il Turismo di Taranto e dalla Galleria d’Arte “Taras”, che si tenne a Taranto dal 15 ottobre al 10 novembre 1963, alla quale fu presente con un’acquaforte dal titolo “Umanità ”, realizzata però qualche anno prima.

Anna Maria Massari ritornò all’impegno artistico grazie alla nascita del Gruppo di Terra d’Otranto e soprattutto grazie alle sollecitazioni di una sua amica del cuore: Rita Guido, che mai l’ha dimenticata, tanto che, ancora oggi, ne tiene vivo il ricordo raffigurandola nelle sue luminose tele sotto il segno de “Le trecce di Anna Maria ”, dipinti ad olio di una materialità tangibile e sofferente che fa sì che il suo messaggio vada oltre il confine di una specifica territorialità.

Ancora più di recente, Rita ha ricordato l’amica con una plaquette dal titolo “Omaggio ad Anna Maria Massari ” (Lecce 1998), introdotta da un affettuoso pensiero del figlio Francsco Porpora che, commosso, scrive: «Mamma chi stai aspettando? – La Rita! Alle quattro e mezza avevamo appuntamento… casomai non ho sentito il clacson…. / Se era primavera l’aspettava sul balcone, e certe volte io andavo a farle compagnia. […] Ho ancora una grande cornice ovale di cartapesta che forse la mamma voleva riempire con tutti i colori della contrada, l’Universo. / Certe volte, spinte dalla necessità di uscire dal tempo degli altri, s’incamminavano [Anna Maria e la Rita] piano, a braccetto, lentissime per le vie del centro storico, osservando ogni cosa, masticando “passatiempii ” e parlando fitto fitto a testa bassa, come per un dialogo segreto fra “strie ” inebriate di poeticissimo amore». Tenere, gentili, dolci e affettuose sono le dieci liriche che Rita Guido dedica all’amica. Ne riporto solo tre che, secondo me, danno il senso pieno della struggenza del loro rapporto amichevole: «Treccia bellissima/ che per decenni ha affascinato il mio sguardo/ oggi diventata “àncora,/ fune di mare, treccia del ricordo”./ Vorrei cantare/ con le note più adatte/ allo splendore di quel ricordo./ Vorrei cantare/ e saper comporre la tua eterna giovinezza». E poco oltre: «Ho raccolto dal tuo angolo di studio/ piccole porzioni di cose,/ piccoli resti/ che servivano ogni giorno per il tuo lavoro./ Ho chiesto il permesso ad Antonio tuo fratello./ poi ho pensato a tutti i colori dell’Universo/ che tu volevi poggiare in una enorme cornice/ dorata/ realizzata in cartapesta da te Anna Maria/ tanti colori/ tanti tanti dovevano riempire/ il vuoto della cornice di cartapesta./ Solito appuntamento». E l’ultima, la più struggente: «È stato l’appuntamento più bello/ della nostra vita/ Eravamo insieme/ io e te/ sui gradini di una chiesa bellissima/ Si osservava, si osservava ed ancora si osservava/ bisbigliavamo parole e commenti/ che solo io e te, Anna Maria, conosciamo».

Ma come ho conosciuto Anna Maria Massari? A presentarmela per la prima volta fu alla fine degli anni ’70, il marito Nando Porpora, all’epoca, io e lui militanti del sindacato Cgil. Io militavo pure – come si diceva allora – in un’organizzazione politica rivoluzionaria, il CLdP (Circolo Lenin di Puglia), e lottavo come un forsennato per il rispetto dei diritti sindacali dei contadini, dei coloni e dei mezzadri della nostra provincia. Per questa mia attività non ero affatto ben visto dai vertici sindacali, tanto da essere continuamente discriminato e spesso messo da parte. Nando Porpora, invece, che faceva parte anche lui dei vertici sindacali, era l’unico ad avere comprensione del mio operato, per cui spesso, quando ci si vedeva, ci si scambiava qualche parola e pure qualche buon caffé. Fu Nando che, ad un gioioso Primo Maggio presso Porta Napoli mi presentò sua moglie, che da quel momento divenne una delle mie migliori amiche.

Anna Maria Massari era nata a Lecce il 21 ottobre 1929. Aveva studiato all’Istituto Statale d’Arte, completando i suoi studi presso il Magistero di Firenze. Svolse la sua carriera di insegnante nelle Scuole Medie di Napoli, di Brindisi e di Lecce.

Il 30 marzo 1993, giorno tremendamente infausto per la sua storia di umana, Antonio Leonardo Verri così la ricordò: «La morte sta decimando i “selvaggi” del Salento. Dopo Totò Toma ed Edoardo, ieri è toccato ad una carissima amica: Anna Maria Massari. Chi le voleva bene non avrà più i segni della sua costante creatività, la sua dolcezza, la sua lucida allegria».

Appena qualche mese dopo, il 9 maggio 1993, anche lui, il selvaggio più selvaggio di tutti noi volava in alto, nel più alto dei cieli.

C'è Sudapest di Irene Leo

Libri di poesia/ Sudapest di Irene Leo nei Poet/bar di Besa, magazzino di poesia a cura di Mauro Marino

Ah, Rodolfo!
Stefano Donno

La scrittura ha un immenso potere che fa viaggiare nel tempo e nello spazio, ha la facoltà di rievocare mondi e infinti universi paralleli dove le storie si intrecciano, colmano vuoti, si ricostruiscono senza posa sino a creare quella che è una possibile versione dei fatti. Raccontare il Sud dopo Salvatore Toma, Claudia Ruggeri, Vittorio Bodini e Antonio Leonardo Verri, risulta impresa ardua dal momento che la riscrittura dei luoghi, di questi luoghi, di un Salento ormai mitico e spesso inutilmente mitizzato all’ombra di ulivi, del morso del ragno che estasi e ritmo produce più del volo di S. Giuseppe da Copertino, e del morboso barocco, terribile e obliquo, è affare che rientra nella possibilità.

E una tra le tante chiavi di lettura più psichica che cosmica di questo “Sud del Sud del mondo”, risulta essere quella di Irene Leo, poetessa dal grande respiro e dall’immensa generosità nel ritmo e nella resa immaginifica della scrittura e del suo performare semantico.

Conosco da tempo Irene Leo e ho sempre associato il suo incedere nel mondo dei versi come una speranza, che ha fame di vita, inappagabile, inavvertita nel trascorrere del Tempo che ormai di divora se stesso nello slegarsi dei fatti, delle cose, delle storie che narrano di amori, solitudini, e occasioni mancate. Un tempo che fa i conti con il precariato esistenziale, che è liquido e vischioso, immateriale abisso dell’incertezza senza alcun argine e margine, mappa di un mondo che nella deriva degli sradicamenti affettivi crede di essere nel giusto.

Questo è Sudapest di Irene Leo edito dalla Besa editrice, e che poi parli di una storia d’amore o più nuances dell’Amore si capisce che è un pre/testo, l’anticamera di una pesante melanconia che accarezza il cuore e di lui si beffa, che fa sorridere in maniera amara e crea solo disillusione. “I giorni qui portano sulle nocche i calli e le ferite di civiltà deserte, cugine di un’era grande che rivedi negli occhi e nelle curve generose, vere opere d’arte oltre le architetture d’azzardo mesciate a terra e sudore. Sono ricco. Ho qui con me sacchi interi di dignità in foglie ed olive e mani consunte che urlano e gemono nelle ore del giorno. Le osservo, me le guardo, le nascondo” questo dice Rodolfo - maschera principe su un palco dove la vita viene recitata con amarezza e un senso di deriva fortissimo in questo Sudapest -presentandosi. Non è un poemetto, il ritmo è quello della prosa poetica non tanto selvaggia, ma costruita oltre l’essere un mestierante della parola.

Chi si avvicina a questo lavoro deve essere avvertito: potremmo dire “hic locus terribilis est” proprio come all’ingresso della piccola chiesa di Rennes les Chateaux. Già perché il lavoro di Irene Leo ci fa capire come sacro e profano sono ancora in lotta nelle nostre vite e spesso la scelta non può chiudersi su un oggetto ben definito… perché perennemente in bilico

Irene Leo, classe 1980, ha “esordito” ufficialmente nel 2006 con “Canto Blues alla Deriva” (Besa editrice). E’ presente su “Tabula Rasa 05″, rivista di letteratura invisibile, nella sezione Poesia e su alcune antologie, tra cui “Verba Agrestia ” 2008, e “Il Segreto delle fragole” 2009, entrambe Lietocolle edizioni. Nel 2007 ha ricevuto dal teatro di musica e poesia “L’Arciliuto di Roma, il riconoscimento in “Kagolokatia”. Collabora con “Il Paese nuovo ” e cura un suo blog letterario: www.ireneleo.wordpress.com. Ha sempre preferito all’apparenza la sostanza della parola, e del dettaglio. Su tutto la Poesia, la scrittura, emblema di quel niente “Ca te inchie lu core”…

Omaggio a Ferdinando Boero

Nel giro di un paio di anni, Ferdinando Boero, zoologo marino dell’Università del Salento, ha pubblicato due libri che non hanno nulla di scientifico nel senso tradizionale del termine e che quasi certamente non entreranno a far parte del lungo elenco di pubblicazioni che lo studioso genovese vanta. Infatti, entrambi i volumi non presentano le consuete asperità delle pubblicazioni universitarie: note, citazioni dotte, linguaggio spesso incomprensibile per eccesso di specialismo, bibliografia finale che nessuno mai legge, ecc., ed evidentemente sono destinati ad un pubblico ben diverso da quello degli universitari (studenti e colleghi docenti), sicché chiunque potrà trarre profitto dalla lettura scorrevole e piana, ma non meno dotta, dei due libri. Il primo si intitola Ecologia della bellezza. I gusti della natura, Besa, Nardò 2007, pp. 158 (n. 11 della collana “Astrolabio”); il secondo Ecologia ed evoluzione della religione, Controluce, Nardò 2008, pp. 215 (n. 7 della collana “Riflessi”). Ne darò conto congiuntamente perché meglio risulti il pensiero dell’autore su due questioni di pubblico interesse, la bellezza del mondo e la religione.

In un mondo pieno di spiriti

Gianluca Virgilio

La bellezza del mondo

“Ho fatto diverse recensioni di libri e, nelle recensioni, uno deve dire in poche parole quale sia il messaggio del libro. Se dovessi fare la stessa operazione per quel che ho scritto direi che il messaggio è che noi viviamo in un mondo bellissimo e che siamo bene attrezzati, sensorialmente, per apprezzare la bellezza”. Con queste sintetiche parole Boero “recensisce” (p. 157), in conclusione, il suo stesso libro Ecologia della bellezza.

Sulla soglia del volume, lo scrittore aveva dichiarato: “Ecco, questo libro nasce precisamente da questo problema: è possibile una scienza della bellezza che non sia marcatamente soggettiva e che non possa essere in qualche modo valutabile anche da esseri aridi come gli scienziati?” (p. 13). Il presupposto del discorso è che noi esseri umani “siamo capaci di fare cose belle ma oggi siamo sempre più inclini a farne di orrende. Se non altro perché siamo troppi e produciamo un impatto devastante anche per il solo motivo di esistere” (p. 26). Il lettore lo avrà capito: Boero cerca di utilizzare la scienza per definire qualcosa che corrisponda alla nozione di “bello”. Soltanto dopo aver individuato su basi scientifiche ciò che è bello, lo si potrà convenientemente salvaguardare, per es. in un parco naturale. Oggi è possibile una simile operazione, perché gli strumenti per farla ci sono tutti. Sentite questa esaltazione del paradigma scientifico: “La scienza unifica le culture perché è la sola cultura universale. Non ha vincoli regionali e non ha connotazioni storiche. Le leggi della termodinamica restano le stesse fin dal tempo della loro formulazione, e resteranno le stesse. Così come la teoria cellulare (…). Se sarà dimenticata, in un’età di oscurantismo, sarà riscoperta esattamente come è ora, in una nuova epoca illuminata. Mentre, se si perderanno le tracce della cultura attuale, nessuno riscriverà la Divina Commedia di Dante, o Sofa di Frank Zappa.” (p. 48). Da una parte, dunque, Boero avverte la specificità e unicità culturale dei prodotti della civiltà (Dante, Zappa), da salvaguardare, dall’altra ha per certo che solo la scienza può far ciò, rivestendo un carattere atemporale e universale.

Qua e là nel volume si avverte una certa nostalgia del tempo andato, il tempo dell’infanzia e della giovinezza, che spesso fa capolino nella pagina come quel tempo irrecuperabile, ma in cui si è venuta formando e consolidando la nostra personalità in un mondo non ancora sporcato dalla spazzatura. Molto interessante è il paragrafo in cui Boero commenta il comandamento Non fornicare, oggetto di molti equivoci in età infantile e che ora lo studioso propone come imperativo morale per tutti coloro che operano nel campo della scienza, e non solo: “Non fornicare significa non mescolare quel che la natura ha separato, o, ancora, non fare accoppiamenti contro natura, che poi è la stessa cosa” (p. 104). La proposta che nasce da queste pagine, dunque, è di grande apertura verso il mondo, che ci riserva e ci riserverà sempre delle sorprese. Sulla scorta di Carlos Castaneda, letto in gioventù, Boero riprende la figura dello stregone (A scuola dallo stregone è un titolo di Castaneda) e del suo particolare sguardo sul mondo: “Il vero stregone è chi riesce a vedere i fili d’erba, chi riesce a percepire quello che altri non vedono. Non vede cose soprannaturali, vede l’apparentemente banale che ci circonda. E’ lì che vivono le cose fuori di noi, le cose che alla fine, nella loro apparente insignificanza, condizionano la nostra vita. Chi riesce a vedere queste cose vede di più, sa di più…” (p. 133). Non c’è bisogno di droghe per ottenere una nuova visione del mondo, ma molta applicazione e dedizione. Il messaggio è dunque questo: che la bellezza c’è, ma non basta guardare, occorre saperla (educarsi a) vedere.

Quando lo scienziato vede gli spiriti

A distanza di appena un anno dal suo primo libro, Boero pubblica Ecologia ed evoluzione della religione, Controluce, Nardò 2008, pp. 215, che reca in copertina non so se un sottotitolo o un messaggio pubblicitario del seguente tenore: “Da uno scienziato una visione “funzionalista” della religione”.

Scrive Boero: “Questo libro, però, non ha lo scopo di fornire una documentazione su come si sia evoluta la religione, si chiede invece perché si sia evoluta e abbia avuto così grande successo. Non mi interessa molto ricostruire quel che è avvenuto, con estremo dettaglio, mi interessa capire perché la nostra specie è religiosa, perché la religione è così diffusa in tutte le culture”. (p. 44) Per far questo Boero prende le mosse da alcune esperienze extranaturali, in cui degli spiriti (per fortuna benigni!) sono entrati in contatto con lui. Boero si dice, dunque, testimone e protagonista di queste esperienze extranaturali, ch’egli non saprebbe spiegare da un punto di vista scientifico, ma alle quali crede pienamente. “Io sono agnostico (…) – afferma -. Ho fede nelle potenzialità del mio apparato sensoriale, e sono ingenuo nei suoi confronti. Credo a quel che mi racconta. Non ho pregiudizi positivi o negativi sull’esistenza o meno di qualcosa che i miei sensi non possono percepire. Se non lo posso percepire non mi interessa né in positivo né in negativo”. (p. 124). Ora, perché Boero ci racconta queste cose? La risposta è che le sue esperienze extranaturali gli hanno fatto maturare la convinzione che “avere fede in uno spirito la cui esistenza è stata rivelata da qualcuno che lo ha visto, che è entrato in contatto con lui (e che magari è stato persino toccato da lui), è un primo passo per la costituzione di una religione” (p. 40). “Insomma, la religione è il marchio di fabbrica della nostra specie. Fa parte integrante della nostra cultura” (p. 48). A dare ragione a Boero c’è il fatto che pare non esistano e non siano mai esistiti popoli sulla faccia della terra che non abbiano sviluppato uno spirito religioso. La domanda che ne deriva, allora è: come si spiega l’universalità della religione? La risposta per Boero è che “l’uomo è un animale sociale e ha sviluppato la cultura proprio per comunicare, ed è forse proprio la religione il primo motore di questo processo. Tutte le culture umane hanno sviluppato una qualche forma di religione e spesso le manifestazioni culturali sono tutt’uno con quelle religiose.” (p. 54). Questa è, dunque, la tesi cardine, “l’idea che ha portato a scrivere questo libro: la religione è la principale forma di cultura che l’uomo ha evoluto per agevolare e promuovere la socialità. Quanto più un individuo ha comportamenti sociali, tanto più sarà una “brava persona”” (p. 126). Così si spiega anche la definizione di “visione funzionalista” assegnata all’opera in copertina.

La religione delle meduse

Insomma, per formare una società “abbiamo bisogno dei riti” (p. 115). Si badi: Boero ci tiene a tenere un sufficiente distacco dall’oggetto del suo studio: “Mi spiace – egli dice -, non sono per nulla religioso. I riti mi annoiano profondamente, anche se trovo affascinante la lettura dei testi sacri. (…) … a me piace di più studiare le meduse che le religioni, credo che avvicini di più a dio. Sono gli animali più semplici…” (p. 151), scrive con tono disarmante. Lo annoiano i riti e non sopporta molto gli intermediari tra il mondo degli umani e il mondo dell’al di là: “Il rapporto tra chi crede e chi è creduto dovrebbe essere diretto, e non mediato da terzi” (p. 148); e poi ancora: “Le domande che mi pongo sono: abbiamo davvero bisogno di qualcuno che faccia da tramite tra noi e il mondo degli spiriti? Abbiamo davvero bisogno di giustificare il nostro essere delle brave persone con il fatto che quello è il volere di Dio? Dopo tanti anni di evoluzione culturale, non potremmo capire che è giusto comportarsi in modo socialmente corretto semplicemente perché così si deve fare?” (p. 156). Egli è contro ogni religione istituzionalizzata (“… immagino un mondo senza religione (istituzionalizzata)” p. 152), ma pensa anche che, per il bene dell’umanità, occorra non trascurare l’azione degli intermediari religiosi, “scendendo a patti” con essi: “Usare dio come strumento di convinzione è una bestemmia. Ma non abbiamo altra strada che abbia un barlume di speranza. Allora forse dobbiamo scendere a patti con quei signori dagli strani vestiti, che parlano in strani edifici, dicono strane parole con una strana cadenza…” (p. 162). Ed io mi chiedo se non implichi uno “scendere a patti” anche la convinzione di Boero circa il ruolo del cristianesimo nella costituzione europea. Egli dice in proposito: “In questi mesi si sta discutendo moltissimo della costituzione europea, e molti chiedono a gran voce che vengano citate le radici cristiane dell’Europa. Non trovo che sia una richiesta bislacca. (…) Le nostre radici culturali sono nel cristianesimo…”. (p. 137). Forse, data la varietà e la complessità del nostro passato, varrebbe un supplemento di riflessione in proposito. Tuttavia, Boero non ha dubbi che lo spirito religioso degli occidentali si sia molto affievolito. Lo vede bene nel confronto che egli fa tra i teo-con e gli islamici fondamentalisti: “Oggi i cristiani sono molto forti fisicamente, ma la loro spiritualità si è affievolita. I teo-con, i nuovi fondamentalisti, non sono affatto pronti a morire in nome della loro religione, sono pronti a uccidere. Chi va a combattere deve essere pagato profumatamente, mentre dall’altra parte i combattenti fanno a gara per raggiungere il luogo degli scontri e per morire da martiri eroi. La nostra spiritualità non arriva al punto di vederci felici in caso di morte durante uno scontro armato, la loro sì. La nostra forza fisica è superiore alla loro, ma la loro spiritualità è superiore alla nostra” (p. 146); mentre sarebbe bene che la nostra religione “si facesse i fatti suoi”: “Ci sono religioni che “si fanno i fatti loro”, come quella dei miei amici papua, e ci sono religioni che non si accontentano di essere padrone a casa propria”. (p. 136).

Una nuova religione per il terzo millennio?

Nella parte finale dell’opera, Boero elenca quelli ch’egli chiama i tredici comandamenti di Mae (lo spirito che glieli ha suggeriti, a cui egli crede per averlo visto personalmente). Li riporto, sia perché sarebbe utile seguirli nella nostra vita quotidiana sia perché costituiscono un compendio della saggezza di Boero:

“Resta sempre bambino nel tuo spirito./ Sorridi sempre, ma sii serio dentro./ Cerca di capire gli altri, conoscendoli./ Non pensare di essere migliore di chiunque altro./ Cerca sempre di essere il migliore./ Rispetta l’ambiente che ti circonda./ Segui la conoscenza./ Combatti l’ignoranza./ Parla senza ambiguità./ Pensa sempre a quello che dici./ Evita di dire quello che pensi se questo può ferire un innocente./ Quando pensi a Mae salutalo, ti sta sorridendo./ Non aspettarti che Mae risolva tutti i tuoi problemi, ha altro da fare.” (pp. 173-174).

Viene da chiedersi, a questo punto, se Boero non voglia fondare una sorta di religione del terzo millennio. La domanda è legittima, dal momento ch’egli dichiara esplicitamente che i comandamenti gli sono stati suggeriti dallo spirito di nome Mae (Boero, quindi sarebbe il suo profeta). In realtà, la conclusione vera dell’opera è in un richiamo, di matrice tutta illuministica, alla responsabilità dell’uomo contemporaneo: “Dobbiamo fare in modo che il livello culturale delle persone aumenti, che aumenti la loro consapevolezza” (p. 160); fino all’illuminazione finale, che già Leopardi anticipò due secoli addietro: “Ecco, forse ci sono. Il peccato originale è l’assolutismo, il pensare che noi siamo al centro del creato, è un peccato di superbia che ci mette al di sopra di tutto e ci fa perdere di vista quanto siamo piccoli a confronto del resto dell’universo. E forse Dio voleva farci capire che poi non siano così importanti, che il mondo non è lì solo per noi, che ci ha concesso un grande privilegio ma che non dobbiamo esagerare a pensare di essere il centro di tutto. Certamente noi siamo importanti per… noi. Ma questo non ci autorizza a pensare di essere i più importanti tra gli esseri dell’universo” (p. 189).

Ci vuole una maggiore consapevolezza individuale e collettiva da una parte, e dall’altra una seria riflessione sulla nostra “superbia” antropocentrica. Questa, in conclusione è il messaggio che Boero ci trasmette, non so se col tono dello scienziato utopista o con quello di chi nutre un autentico spirito religioso, e ad esso si affida, in conclusione.

Ferdinando Boero è nato a Genova nel 1951. Attualmente vive a Lecce, dove insegna Zoologia e Biologia Marina presso la Facoltà di Scienze dell’Università. Ha lavorato in molte parti del mondo, dalla California alla Nuova Guinea, studiando la biodiversità marina, e ha ricevuto nel 2006 la Médaille Albert Ier, Prince de Monaco per l’oceanografia dall’Institut Océanographique di Parigi.

Sabato 26 settembre, c'è la Festa dei lettori

Il sogno del labirinto
di Antonio Errico

Per tutta la vita sognò il labirinto, Jorge Luis Borges: la biblioteca che esiste ab aeterno ed è infinita, che contiene tutti i libri, la storia minuziosa dell’avvenire, migliaia e migliaia di cataloghi falsi, la dimostrazione della falsità di questi cataloghi, la dimostrazione della falsità del catalogo autentico, la traduzione di ogni libro in tutte le lingue, le interpolazioni di ogni libro in tutti i libri.

In una delle sue Finzioni, intitolata “ La biblioteca di Babele”, Borges racconta che quando si proclamò che la biblioteca comprendeva tutti i libri, gli uomini si sentirono padroni di un tesoro intatto e segreto. Poi alla esuberanza seguì la depressione.

Perché alcuni pensarono che qualche scaffale contenesse libri preziosi e la loro inaccessibilità parve intollerabile; altri che la cosa più importante fosse sbarazzarsi delle opere inutili.

Ma per tutti la biblioteca era l’universo che conteneva ogni vanità e umiltà del mondo, ogni realtà e ogni fantasia, le memorie più profonde e gli irrimediabili oblii. La biblioteca comprendeva tutto il tempo e le spazio, tutti gli inganni, le premonizioni, l’illimitatezza, la finitudine, l’infinito.

Ci sono esistenze piene di libri fin dall’infanzia, che regolano il proprio rapporto con il mondo sul ritmo di una narrazione, che scoprono la realtà attraverso la finzione letteraria, e vivono tutte le esperienze possibili e le storie possibili attraverso le storie e le esperienze che accadono in una scrittura.

Ogni lettore vorrebbe poter dire come Jean Paul Sartre: “ho cominciato la mia vita come senza dubbio la finirò: tra i libri”.

Ogni lettore, in certi giorni, vorrebbe poter fare come Cosimo Piovasco di Rondò che ad un certo punto disse: questo piatto di lumache non lo voglio e non lo voglio. E se ne andò su un albero a vivere e a leggere, e a scambiare libri con quel brigante lettore vorace che era Gian dei Brughi.

Ma da anni e da più parti si proclama la fine del libro e della lettura.

In un saggio intitolato “ Leggere, leggersi”, Franco Ferrarotti pronuncia sentenze lucidamente controcorrente, conseguenze di lunghe, profonde riflessioni. Accende spie che poi spegne e riaccende richiamando con questa intermittenza l’attenzione di chi legge, suscitando interrogativi che riguardano il futuro della civiltà, dei destini individuali e collettivi.

Sono indicatori di grandi equivoci o di sottili e storiche mistificazioni, di forzature o semplificazioni ideologiche che attivano processi di stravolgimento delle strutture e dei sistemi culturali.

Una delle spie di Ferrarotti evidenzia che la confusione dei concetti di progresso e di sviluppo, di scienza e di tecnologia, ha prodotto oltre ad equivoci anche perversioni.

Implicitamente Ferrarotti avverte che si ha necessità urgente e disperata di una cultura, e quindi di un’educazione, che consenta un uso saggio degli strumenti che possediamo, che realizzi la formazione di una personalità e di un pensiero in grado di controllare lo tsunami tecnologico.

Il sociologo prende posizione precisa, inequivocabile. Sbeffeggia le mode. Frantuma il vitello d’oro della tecnologia di massa che da un po’ di tempo tutti ( o quasi tutti) adoriamo. Dice che sta crescendo irresistibilmente l’esercito degli analfabeti alfabetizzati, degli idiots savants aficionados di Internet.

Navighiamo ( o naufraghiamo?) in rete, ci lasciamo sedurre dalla fandonia del tempo reale senza renderci conto che psicologicamente il tempo è la cosa più irreale che ci sia, la più ingannevole.

La tecnologia – sostiene Ferrarotti- è una perfezione tecnica priva di scopo che lasciata a se stessa si risolve in una perfezione del nulla. Eppure noi, in un eccesso di dementia precox, le abbiamo venduto le nostre anime. Abbiamo pigramente creduto nell’ineluttabilità del suo potere; ci siamo acriticamente, indiscriminatamente, ipocritamente, opportunisticamente lasciati richiamare e irretire dalle sue sirene.

Così giorno dopo giorno abbiamo buttato via i libri.

In un passo della Tempesta di Shakespeare, Calibano parlando di Prospero dice: “ è sua abitudine dormire il pomeriggio. Allora lo puoi uccidere, dopo avergli preso i libri. Puoi sfondargli il cranio con un ceppo, o sventrarlo con un palo, o tagliargli la gola col coltello. Ma prima prendigli i libri. Senza i libri è uno sciocco come me”.

Resta una possibilità di salvezza. L’ultima, forse: la scuola. Perché è solo qui che si ha l’interesse di far crescere intelligenze ( che vuol dire esistenze) che sappiano sentire la responsabilità ( pesante) di custodire significati insostituibili, profondi, essenziali.

Davide Barletti nella troupe di fromzero.tv

Abruzzo, storie dalle tendopoli

Dal 15 settembre su WWW.FROMZERO.TV tutta Italia ed il resto del mondo potranno seguire le storie di chi dalle tendopoli della Croce Rossa Italiana, in Abruzzo, affronta l'emergenza e cerca di ricostruire una nuova normalità. E' la serie web di documentari “FromZero” che per mesi seguirà le vite dei nostri connazionali ed operatori d'emergenza in Abruzzo.
Ogni giorno su www.fromzero.tv potremo essere al fianco di 12 protagonisti accompagnandoli nelle loro conquiste e fatiche quotidiane, tra sconforto e speranze, compleanni, esami a scuola, problematiche di gestione del campo verso un nuovo inizio. Seguiremo Luigi e Patrizia nel loro giro per la città ancora fantasma per prendersi cura dei gatti abbandonati dopo il terremoto, con Sergio, il cuoco, seguiremo la gestione della grande cucina da campo della Croce Rossa Italiana. Aspetteremo con Rosa ed Antonello la graduatoria per le case del Governo e vivremo la difficoltà di trovare lavoro durante la ricostruzione. Con Nicoletta porteremo tra le tendopoli i libri, con il Bibliobus, l'autobus-biblioteca. Seguiremo gli sforzi di Concetta per ricostruire casa e rimettere in moto la sua piccola azienda. Al fianco del capo-campo della Croce Rossa Italiana Ignazio,vedremo la gestione e le difficoltà nel pianificare lo smantellamento delle tendopoli, diventate l’ unico punto di riferimento per la popolazione ma inadatte all’inverno.
Lontano dal buonismo, attraverso lo sguardo di un team di autori e registi documentaristi “From Zero” farà un quadro lucido, umano e sfaccettato della realtà della ricostruzione.
La storia di ogni protagonista sarà a puntate, un mini documentario di 3 minuti girato in alta definizione per immergersi nella realtà del dopo disastro senza i ritmi e i luoghi comuni della cronaca e del reportage. From Zero è realizzato da una squadra di registi documentaristi che vivendo e producendo dalla tendopoli, evitano sia l'informazione mordi e fuggi che quella dettata da esigenze di parte, per raccontare il quotidiano.
La tecnologia della rete verrà utilizzata per condividere e conservare un prezioso archivio della memoria “on line” in tempo reale. Le case di produzione indipendenti “MOVE productions” e “Pulsemedia” portano per la prima volta in Italia, la “multipiattaforma”: un mix tra serie documentaria e sito internet (seguendo una nuova tendenza nel campo della produzione internazionale). www.fromzero.tv consentirà l’accesso gratuito agli episodi e la possibilità di interagire col sito per creare una web community che accompagni con la propria partecipazione la ricostruzione in Abruzzo.
Autore e produttore della serie è Stefano Strocchi, produttore e documentarista e la sua “Move productions” (Torino), con lui la casa di produzione multimediale “PulseMedia” di Roberto Ruini ed un ricco team di registi e montatori provenienti dal mondo del documentario italiano tra cui Davide Barletti e Giotto Barbieri.Il progetto è patrocinato dalla Croce Rossa Italiana che ospita per i mesi di produzione in tendopoli la squadra, la Regione Abruzzo, Provincia dell’Aquila, Film Commission Torino Piemonte, Abruzzo Film Commission.

Il teatro politico di MArio Perrotta

Nell’ambito della XIII esplorazione del Festival Internazionale Castel dei Mondi di Andria è andato in scena - domenica 6 settembre - per la regia di Mario Perrotta “Il Misantropo di Molière o Dell’individuo VS sociale”. In scena, con l'attore leccese che ha curato la traduzione del testo portato in scena, Marco Toloni, Lorenzo Ansaloni, Paola Roscioli, Francesca Bracchino, Nicola Bortolotti, Alessandro Mor e Maria Grazia Solano.

Lo spettacolo apre la “Trilogia sull’individuo sociale” un'indagine che l'attore - nato a Lecce nel 1970 - svilupperà nell’arco di tre anni. Al Molière, presentato in prima nazionale lo scorso giugno per il Festival delle Colline Torinesi, seguiranno nel 2010 “I cavalieri di Aristofane - o Dell’agone politico e della utopia sociale”; e nel 2011 “Bouvard e Pécuchet di Flaubert - o Dell’utopia individuale”.

“...È nello scontro tra Alceste (il misantropo) e Oronte (l'uomo di potere)
che esplode il massimo abuso, dando segno di una società talmente malata di rapporti di interesse da giustificare la misantropia del protagonista”

«Nel Salento, in Puglia, non giro! Non giro! D'altronde si dice “Nessuno è profeta nella propria patria”. E' toccato a molti! Pensate a Carmelo Bene ed è facile rendersi conto di come le cose vanno nel nostro bel Salento». Ma via, animo! C'è sempre un'altra Patria ad accogliere la maestria e certo, Mario Perrotta l'ha trovata!

Così comincia il nostro dialogo con l'attore interprete di tante narrazioni che hanno riguardato il Sud, quello delle migrazioni, in Svizzera, in Belgio. Uno scavo nei punti di crisi e di bellezza di una società in cerca di futuro: gli Italiani cìncali (zingari) così li chiamavano in Svizzera. E' stato quest'anno finalista per i premi Ubu nella categoria Miglior Attore per lo spettacolo “Odissea”.

Lo raggiungiamo al telefono, ospite nelle settimane scorse del Festival Internazionale Castel dei Mondi di Andria in scena con una sua scrittura scenica de Il Misantropo di Molière.

Dopo il tuo lavoro in solo, torni ad una scena agita con altri attori! Una scelta di produzione? O la necessità di tentare una poetica altra, corale: “Otto solitudini in uno spazio vuoto” per questa riproposta di Molière.
Il lavoro in solo è quello che mi ha dato il successo penso però che il teatro sia anche lavorare insieme agli altri e ne avevo bisogno dopo sei anni di solitudine sul palcoscenico. Dopo seicento repliche fatte sono stanco e soprattutto c'è da dire che mi interessava aprire una nuova fase di ricerca e di confronto in un lavoro corale. Oggi il fatto di essere riconosciuto come attore ed autore mi da la possibilità di portare in giro questo Molière. Ho seguito la mia necessità che era ed è quella di lavorare con altre persone in scena. Certamente tornerò a fare delle cose da solo ma spero di riuscire sempre a mantenere vivo il senso di necessità nel progettare e nel fare il lavoro del teatro.
Dal punto di vista dell'economicità questa indagine sul contemporaneo traversando dei “classici” è controtendenza. Il tornaconto di produzione consiglierebbe - in un momento di crisi totale - di fare cose da solo, con un'economia più sostenibile. Molti mi chiedono “hai raccontato la nostra migrazione e l'immigrazione degli altri perchè non continui...”. Ma a me, uomo di teatro, non importa, sono consapevole che questa idea della trilogia, dell'indagine è un'idea completamente sbagliata dal punto di vista del mercato, ma non sono un commerciante, sono un uomo di teatro.
Mi interessa la poesia.

Questa riproposta di Molière è il primo impegno di una trilogia che si confronta con drammaturgie dense e significative per il nostro contemporaneo. Un trilogia politica?
L'ingombro del sociale, la sua invadenza e la solitudine dell'individuo. Il misantropo di oggi gioca in difesa? E' un eroe che gioca la sottrazione dal dovere, dalla regola, anche dall'odio forse? E' rivoluzionario in una società, la nostra, dove non c'è più il “noi”? Un Misantropo che si fa “militante dell’etica” ha scritto Rossella Battisti su L’Unità. Ritirarsi, negarsi è un po' vincere?
Non mi piace la banalità di far coincidere il teatro civile con il racconto la nostra storia contemporanea. Si fa teatro civile anche con Molière, con Shakespeare. Certo se uno ripropone questi autori per fare museo come fanno la gran parte dei grandi nomi dei nostri palcoscenici, i “vecchioni” che dovrebbero essere in pensione da un pò, non c'è storia, è come imbalsamarli.
Molière, Shakespare non sono dei “classici” la loro scrittura è “universale”, va oltre il tempo e allora, affrontare questi testi in senso politico si può.
Io uso Molière per riflettere sul mio tempo e siccome oggi una delle cose che ci attanaglia di più è l'abuso di potere e quello che comporta lì lo trovo descritto così bene che non vedo perché mi devo mettere a scrivere io quando Molière offre una sostanza drammaturgica ancora generante.
Somigliamo molto alla corte di Re Sole.
Non è un caso se abbiamo un premier che invece di fare il Presidente del Consiglio si crede un Re. Penso che niente si confà di più a lui che chiamarlo Re Sole, ne sarebbe senz'altro felicissimo. Somigliamo molto all'ambiente in cui nasce Misantropo, quello contro cui si scaglia Molière con la sua commedia. La reazione del protagonista se pur “integralista” - è un talebano dell'etica, ma scopre il fianco alla seduzione, cosa che lo rende più umano - le istanze di Alceste (il misantropo, il protagonista), sono assolutamente condivisibili a differenza degli altri malati di Molière.
l'Avaro, il Malato Immaginario, il Borghese gentiluomo, son “malati” di cui nessuno condivide l'approccio all'esistenza, le istanze di Alceste sono invece eticamente profonde, il problema è che un integralismo etico di quel genere porta al solipsismo. Egli però tradisce ogni sua istanza etica di fronte alla pratica dell'amore. E quindi lo demitizzi, sei portato a non credergli più, non sai bene dove collocarlo il suo atteggiamento. Ma le sue istanze le condivido totalmente è chiaro che però bisogna saper vivere al mondo. Sapere che tutto è relativo, almeno nelle cose umane e quindi bisogna imparare ad essere un pò meno integralisti. Viviamo in un mondo dove c'è assenza di valori etici almeno così appare quello che ci proprinano - c'è poi tanta gente che lavora con dedizione e costanza ma purtroppo non la vediamo, non ha visibilità.

L'8 settembre esce il tuo nuovo libro “Il paese dei diari”, lo presenti, con Francesco De Gregori (che riceve quest'anno il premio Città del diario), il 13 settembre a Pieve Santo Stefano, in provincia di Arezzo, dove ha sede l'Archivio Diaristico Nazionale, fondato nel 1984 da Saverio Tutino. Lì si conservano i diari, le memorie e gli epistolari degli italiani, fino ad oggi 6000 storie di vita. Perchè questo tuo interesse? La vita, le storie, sappiamo nutrono l'attore, la drammaturgia, il teatro ma c'è anche qualcos'altro custodito nel segreto delle autobiografie, nel privato, nell'intimo di narrazioni scritte per non essere pubbliche?
Trovo l'emozione tradotta in scrittura! Sapendo di non essere letti in un diario si scrive a cuore aperto, si scrive anche l'inconfessabile. Trovi il punto di vista particolare, questa è la cosa che per un teatrante è molto importante. Trovi l'approccio ad un evento storico - interpretato e riconosciuto dalla storiografia in un certo modo - in una visione totalmente personale, una versione parziale che proprio in virtù di questo limite è straordinariamnete teatrale!
Credo che non si da teatro se non c'è un punto di vista.
Se devi raccontare la Storia come ce la raccontano gli storiografi posso ricorrere ad un buon libro di Storia. Se invece devo raccontare l'immigrazione con il mio punto di vista, non avendo vissuto quella vicenda in prima persona, devo andare a cercare le storie piccole delle persone, i loro vissuti, il loro sentire, la loro intimità. Poi, qualcuno può appuntare che quello che fai storiograficamente non è affidabile! Ma che importa! Io, in teatro, devo veicolare emozioni e quello cerco nelle storie.
Per questo ho frequentato Pieve Santo Stefano, per cercare storie.
Poi è venuto “Il paese dei diari”.
All'Archivio avevano visto i miei spettacoli, letto ed apprezzato il mio precedente libro, (“Emigranti express”, edito da Fandango. Ndr) ascoltato la trasmissione che ne è nata (in onda su Radio Due e finalista al Prix Italia, premio internazionale per la radio, televisione e web nel 2007. Ndr) da tutto questo lavoro è venuto il Premio Città del Diario che mi è stato assegnato nel 2008. Era la quarta edizione dopo Marco Paolini, Ascanio Celestini e Rita Borsellino è toccato a me!
Da questa frequentazione e conoscenza è venuta la richiesta di scrivere un libro sulla storia dell'Archivio! A loro piaceva insomma il mio modo di scrivere, io ho proposto un romanzo - non potevo fare un saggio, tracciare un profilo “biografico”, l'avrebbe fatto meglio un giornalista - e allora ho pensato che era meglio raccontare mischiando. Ci sono le figure che realmente vivono l'archivio, c'è Saverio, che è Tutino, l'artefice ci sono le storie dell'archivio e c'è la parte romanzata.

Carlo Michele Schirinzi / Tangenziale Sud

Arte Contemporanea

Sarà inaugurata giovedì 10 settembre al Museo Nuova Era di Bari, “Tangenziale sud”. personale di Carlo Michele Schirinzi. La mostra che si chiuderà il 30 settembre è a cura di Antonella Marino.
Il 24 settembre alle ore 19.30 l’autore presenterà la videoperformance “Chant”.
L'artista salentino con il video “Prospettiva in fuga” parteciperà alla “Festa del Cinema di Roma” nell’evento collaterale dedicato al cinema sperimentale “1° Fish Eye – International Experimental Film and Video Festival” e ad ottobre, con il video “Notturno Stenopeico” al “31° Cinemed - Festival International Cinéma Mediterranée” a Montpellier in Francia”.

Proponiamo alla vostra lettura la nota critica che accompagna la mostra.

A Kemy
Antonella Marino

È dedicata a Kemy la personale di Carlo Michele Schirinzi che inaugura la nuova stagione espositiva di Museo Nuova Era. Forse non tutti ricorderanno: Kemy era la giovanissima prostituta nigeriana investita e uccisa da un’auto durante un inseguimento con la polizia sulla “tangenziale sud” di Bari, litorale San Giorgio, nel 2008.

Non é evidentemente questo specifico episodio ad ispirare il giovane artista salentino. Kemy è un simbolo o meglio una sineddoche: sta per le tante vittime di quella “transumanza umana” che da anni approda sulle nostre coste e varca i nostri confini nell’illusione di una vita migliore. Kemy rappresenta quel sogno, quasi sempre frustrato. Un sogno che ha mutato la visione geografica, facendo del nostro Mezzogiorno la terra promessa dei profughi, quasi una nuova frontiera. A questa Puglia come nuovo West (raccontato dal cinema a partire da “Lamerica” di Gianni Amelio o “Aprile” di Nanni Moretti), alla “no man's land” di Carmelo Bene in “Nostra Signora dei Turchi” Schirinzi guarda con taglio non cronachistico o documentario, ma attraverso un lavoro profondo sul linguaggio.
Una metaforica “dissolvenza incrociata” su un duplice registro notturno/diurno, costituisce così la struttura della grande proiezione doppia e circolare che avvolge la parete frontale nell'ambiente d’ingresso. Le dissonanti note di Abat-jour (nella versione del 1965 interpretata da Luciano Virgili), rivisitata e disturbata da Stefano Urkuma De Santis, fanno da colonna sonora alla scia lasciata dal motore di uno scafo che solca il mare e che divide verticalmente l’inquadratura. La scena si sposta poi sull’asfalto della strada, ripreso sempre con lo stesso punto di vista centralizzato: sintesi di una “Prospettiva in fuga” che allude ai drammatici viaggi migratori come ricerca appunto di una nuova prospettiva, di fatto però impossibile.

Questa “impossibilità di modificare la propria esistenza”, non ha tuttavia per Schirinzi un valore solo storico e contingente, ma assume un significato più ampio. È il senso d’impotenza che caratterizza in generale la condizione umana, sul solco di un pensiero che dall’assurdo di Beckett vira al grottesco di Jarry, passando per le provocazioni dell’amato conterraneo Bene, e la sostituzione del dramma con la farsa.
Ciò è evidente nell’altro video, proiettato al piano sottostante. Il titolo, Arca di concentramento, rimanda ancora al tema migratorio, alle moderne arche destinate “ai turisti forzati dei naufragi storici”. Con riferimento ad una sorta di diluvio universale, lo scroscio d’acqua di un temporale (come “le docce ad Auschwitz”) bagna le scene di un vecchio filmato porno anni venti. Mentre nei fotogrammi bianco-nero disturbati da salti e inceppi, il reiterato abbraccio di due corpi denuncia “il disperato tentativo di ogni contatto”, la difficoltà di instaurare un vero rapporto (sdrammatizzata da un inatteso twist, sul finale).
Una tematica, quella del “rapporto mancato”, che ritroveremo anche nella videoperformance “Chant”, proposta durante la mostra il 24 settembre. Qui Schirinzi proporrà una “rivisione voyeurestica” del film di Jean Genet Un chant d’amour (Francia 1950) giocando con le dita sul proiettore che trasmette il frammento in cui i due uomini carcerati cercano invano di amarsi attraverso il muro che separa le due celle.
Con sempre maggiore padronanza dei suoi mezzi Schirinzi attinge e mescola ancora una volta repertori alti e bassi, riferimenti colti e popular, mischia pornografia (come “superamento dell’erotismo”) e sacralità, materiali di archivio e attualità. I testi vengono però destrutturati e spesso letteralmente martoriati con graffiature sulla pellicola e sui negativi, quasi a tentare di cavarne il non-senso nascosto.
Operazione colta e poetica al tempo stesso, esplicita nel grande polittico fotografico in otto pezzi, Dissolvenza in chiusura, sempre al piano inferiore: una “trasfigurazione” che parte dalla celebre immagine della Morte della Vergine di Caravaggio, e con successivi passaggi la cancella, approdando dal chiaroscuro al bianco, dalla presenza, o dal suo simulacro, al nulla…

Il Museo Nuova era è in Strada dei Gesuiti 13, 70122 Bari
Orario di visita: 18:00 – 20:30
www.museonuovaera.it
La mostra è inserita nel circuito “Settimana della Creatività Giovanile 2009”
Con il patrocinio di Comune di Bari, Assessorato alle Politiche Giovanili

Del pesce e dell’acquario

di Antonio ERRICO

La poesia matura con le stagioni, con le passioni, con i giorni che vanno e vengono, matura con le illusioni, con i dolori, con le parole che si crescono come mammole nelle aiuole. Poi matura con la ricerca e con l’attesa della sillaba che vorrebbe essere perfetta, del ritmo che vorrebbe trovare consonanza con il respiro, con il battito del cuore, con la pazienza e la sapienza che si devono avere per trasformare il lievito in pane caldo.

E’ maturata in questo modo la poesia di Ilaria Seclì, nei quattro anni passati dalle “Indolenti dipendenze” (Poet/bar Besa) fino a questo recente “Del pesce e dell’acquario” (Lietocolle).

E’ poeta che tende il linguaggio fino allo spasimo, Ilaria Seclì. Che tenta di violare la soglia del dicibile nella consapevolezza che l’indicibile resterà comunque tale. Ma lei si muove lungo quella soglia: guarda al di là, sbircia o scruta, sospettando che ci possa essere, in qualche punto, un varco, una maglia rotta nella rete, un pertugio che consenta l’incursione. Nel frattempo intercetta suggestioni. Tutti i segnali che le arrivano dalla sponda dell’inespresso si fanno seduzione di poesia sulla poesia, per la poesia. Una sperimentazione pacata, serena, meditata, distante da mode , modelli, artificiosità, pensata soprattutto come un confronto con se stessa, con il proprio universo semantico, con la forma del linguaggio che si è impastata ancora di più con la ricerca del pensiero, con una riflessione profonda, essenziale. Ilaria Seclì cerca costantemente la metamorfosi del significato, l’espansione che sia in grado di tessere relazioni tra concetti distanti, associazioni che annodano elementi provenienti da sfere tematiche senza apparente connessione. Ed è probabilmente questa la caratteristica più interessante, perché più di ogni altra rivela l’azzardo del colpo di dadi, la capacità di stringere nodi espressivi fondamentali, l’abilità nel cambiare registro, di intrecciare l’aulico e il quotidiano, l’eco letteraria con un’immagine della memoria.

Ha una fiducia enorme nella parola, Ilaria Seclì, e al tempo stesso sembra che ne tema il tradimento, l’ammutinamento. Allora la sorveglia, stabilisce con essa un rapporto di reciprocità sostanziale, di scambio vitale, quasi a dire: io ti do il mio tempo, i miei stupori, i miei dolori, l’infanzia, la giovinezza, la passione, le verità che conosco; tu dammi sempre il suono, il ritmo, la significanza profonda, dammi l’armonia, la sfumatura, il riflesso, la forma giusta, quella perfetta, anche, se puoi.

Questa poesia è fatta di stratificazioni: percezioni, sensazioni, emozioni che si accumulano, si fanno una cosa sola, diventano esperienza del tempo e della condizione dell’essere, progetto poetico che oscilla tra la sfera esistenziale e quella culturale, che spesso riescono a sovrapporsi perfettamente, a confondersi.

In fondo non dovrebbe essere altro che questo il mestiere del poeta: arrivare ad un punto da non riuscire a distinguere più tra la vita e la scrittura, a renderle inconcepibili separatamente. E’ mestiere che richiede molto apprendistato, questo. Ilaria Seclì si sta rivelando un’apprendista scrupolosa, una che sa conquistarsi gli strumenti, le tecniche, i segreti. Con gli appassionamenti e i sacrifici che ci vogliono. Sarà poeta di grande mestiere.

Come se il rimorso...

[nella foto Piero Rapanà e Fernando Bevilacqua]



Ci vediamo a Melpignano!

Non si dà pace l’amico Fernando! Lo prende un nervoso che lo riempie di macchie rosse. Una reazione allergica che necessita di spiegazioni ‘filosofiche’ per quietarsi. Si danna, per questo Mondo che non riconosce più. Per la sua terra salentina che non riconosce più. Per gli ‘umani’ intorno che non riconosce più.
Mi dice: «Se stanno qui a sentire questa musica che raccomanda memoria, accudimento, legami profondi com’è poi che ti travolgono con il loro desiderio di consumare, consumare, consumare? Se scelgono questo mare, questo paesaggio, questi odori com’è che poi tutto tradiscono con carte, cicche, plastica, vetri e con i loro comportamenti sciatti, irrispettosi, tracotanti?».
Non si dà pace! Vorrebbe gridare, scamiciarsi, urlare. Mai dimentico dell’antica dignità delle cose, nella nostalgia lui trova. Ancora trova, la grande barba del sapiente e la semplicità di sua madre. La camicia bianca del padre e l'odore forte della terra. Anche l'avventura trova con le fughe, curiose di stupore.
Si ferma, l'amico Fernando, vulnerabile e sconfortato, come la sua terra salentina fa silenzio. E ascolta, e guarda preso dai corpi, dai suoni! È più forte di lui! Come se quel ‘rimorso’ di cui tanto ha tanto sentito, letto, sperimentato ora riguardasse non più uno solo, o una, innamorata e persa, ma tanti. Tanti. Lui e tutti quelli intorno. Tutti, proprio tutti, nessuno escluso.

***

Ci vediamo a Melpignano? È oggi che accade! Torna!
La luna è spicchio in cielo. Tenue falce di luna nuova. Fa nascita, auspicio! Confonde col suo mistero un inteso grigio arancio e il sole, vien giù, sprofonda! Si fa Notte.
Ci vediamo a Melpignano, lì c’è la danza, quella che tutti cercano: quel continuo invocare l’amore… il sapore del sale lo assaggio, con la lingua mi lavo il mare!
‘Nnanana nnanana beddhu è l'amore e ci lu sape fa’ ballati tutti quanti e ballati forte...

***

Ah! la bua!!! Il male, la malattia. Quale l’antitodo? Alla bua, alla bua! Che dire al tormento, al 'non' che prende e tradisce?
«Amate la vostra dignità di uomini anche se chiusa nell’incertezza della carne» raccomanda accogliente l’oracolo Cristoforo.
Ci siamo, siam giunti, l’Orda d'Oro ci porta, ecco Melpignano.
«La scorgi la Santa Chiesa? La vedi? È la stessa che apre la Taranta di Mingozzi, ricordi? Il tremolare dei titoli in bianco e nero, il testo di Quasimodo che fa il racconto ed una terra remota appare, bianca, secca secca. Una strada, un carretto e le rovine del Tempio. È questo di adesso che vedi dipinto di luci».
Se assaggio i suoni mi viene sapore di sacro – la teoria delle bancarelle, l'odore di nocciole e di zucchero filato – nutre lo spacco del cuore, il solenne d’una banda. Lo inseguo e trovo angeli sospesi alla luce con quelli di ieri senza nome nell'inchiostro della cronaca: angeli neri, persi nel mare, nell’abbandono.

Non c’è sorriso e c’è! Non c’è identità e c’è! Non c’è paura e c’è.

Ogni cosa impasta il suo credo. E lo vedi il terrore mischiato alla gioia. È tutto sul bilico! È questa vertigine la cultura: ogni atto è essenziale. Ogni cosa vale, scrive. Anche ciò che presto si dimentica è prova.
«Non senti i suoni ‘legati con gli spaghi’? Gli stornelli del ringraziamento?». “La ricchezza mia è la sanità” cantano e il vecchio Aloisi ringrazia i medici del reparto di Ortopedia dell’Ospedale di Galatina (di Galatina, dove opera Santu Paulu) che gli hanno permesso di salire sul palco della grande Notte. “Na, e na, e na” le voci alla stisa fanno il graffio e quelle dello spettacolo s’insinuano. “Che vita infamata è stare carcerata per un'eternità” oppure senti “ca se eri l'amante miu nu me tarantava ieu”. Ecco la chiave: se eri l'amante mio... io ero salva. L'amore ancora, il sentire profondo che le evita d'essere tarantata, d'essere posseduta dalla mancanza.
La terra salentina è tarantata adesso, è 'lei' nel cercare. Non ha quiete, non ha passo di danza che possa salvarla, non c'è l'indiavolata del violinista barbiere ad accogliere. Non ci sono più i passetti del perdimento sul damasco di Maria, nell'intimo della casa. Quella rappresentazione, quella tragicità, quella volontà di un oltre di quiete.

Non c'è! Manca! Adesso quel ri-morso, cerchio del dolore, s'è fatto largo, capiente. È festa soltanto. Soltanto festa?

***

“La patria e l'amicizia è il primo amore”, qualcuno canta dal palco e sulle corde leggere delle mandole e dei violini corre ciò che mischia. «Li senti i nomi?»
Fabrizio, la Fernanda, il maestro Stifani. Anche loro angeli. Custodi del nostro altroculturale. Vogliono che sia sostanza di coraggio. Non è questo la festa? Rinnovamento: osare, sempre vivi, esserci! Cercare quello che non sappiamo, che forse non sapremo mai, ingoiato nei segreti della notte d'ognuno. Mistero di grilli, di cicale addormentate e di stelle, a volte cadenti, a portare desideri, il mai, il forse. La speranza insomma che mai rimorso dovremo avere per il non che manca all'amore.
I minatori di Santa Fiora, l'angelica d'Africa, e la furia di stella Z ci aiutano a rifare la Puglia. Ehi! L'acqua nu la menare, provaci. Proviamoci a salvarla e con lei... il 'ragazzino'!

***

Lasciato Fernando, rifletto: il repertorio e gli interpreti. Questi gli ingredienti della Notte della Taranta. Un cammino di dodici anni che ha scommesso sulla certezza di crescere. E via via la crescita c'è stata, indubbia, assoluta. Unica, in una scena ormai affollata di eventi che inseguendo confondono, strafanno, senza alcuna economia e chiarezza di orizzonte. Dodici anni. S'invoca il cambiamento. Utile? Forse sì, forse no! Il passo preso dalla ricerca e dagli interpreti dimostra d'essere emancipato e libero da qualsiasi soggezione al suono “solito” della Tradizione. E allora, accordarsi alla ricerca, che muove le produzioni d'ognuno di loro, può essere via da praticare per un rinnovamento sostenibile ed attento all'essenziale.

Mauro Marino

Locomotive Jazz Festival

Raffaele Casarano

Mauro Marino

Sapete che dicono certi saputi ed eccentrici Assessori alla Cultura o Sindaci con delega all'alto compito dell'intrattenimento nel nostro “bel” Salento: «E' troppo difficile, troppo intellettuale, non capiscono, c'è bisogno di qualcosa di più popolare...».
Questa la considerazione che hanno dei loro concittadini senza valutare la naturale conseguenza logica: evidentemente li hanno votati senza capire ciò che facevano. Ma lasciamo perdere!
Certi ho detto, non tutti, per nostra fortuna, alcuni osano e accolgono, con umiltà le proposte, le sanno valutare e rischiano l'incontro con la comunità e con il pubblico. Si fidano, si fanno “ignoranti” loro, per poter crescere, fare l'esperienza, imparare!

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Molti amici artisti ed operatori culturali sostengono che il problema è che ad un certo punto s'è creata confusione e il compito amministrativo si è sovrapposto al compito ideativo e creativo.

Dovremmo tornare indietro, alla mancanza, al “che si fa stasera?”. Se c'è un inizio e da trovarsi nell'Effimero di Renato Nicolini, li le radici di questa lento degenerare. L'assessore alla cultura di Roma - nel periodo 1976 - 1985, nelle amministrazioni guidate da Giulio Carlo Argan, Luigi Petroselli ed Ugo Vetere - poteva permetterselo, era capace, intuitivo, attento e competente. Creativo egli stesso, architetto ed anche drammaturgo e sappiamo, quanto gli architetti danno, al di là del far case. Insomma la sua Estate Romana è stata l'inizio di un uso del 'fatto' e del 'fare' artistico finalizzato alla rappresentazione delle città e dei territori.
Così il marketing territoriale è entrato a far parte di una vulgata che via via ha moltiplicato sagre, feste, festival, rassegne, notti bianche/ rosa/verdi e pubblico. Pubblico, pubblico, tanto pubblico, sempre più confuso, perso, vagante ed incompreso nei gusti e nelle necessità!
Ci vorrebbe una decrescita anche in questo, qualcuno suggerisce. Un tornare indietro. I fenomeni, anche quelli più importanti e virtuosi, deperiscono, vanno rinnovati e l'Epoca impone una profonda riflessione anche sul senso della Festa.
A Sogliano Cavour evidentemente ci sono degli amministratori capaci di riflessione, di quelli che conoscono la discrezione e mantengono la giusta distanza dall'accadere delle 'cose', mediatori utili di processi culturali. Di quelli capaci di regalare alla loro comunità e al pubblico ospite 2280 minuti di piena libertà!

Tutta colpa del jazz, del Locomotive Festival e di Raffaele Casarano.

***

«Ma, il jazz è cosa popolare o un genere di elite?» si chiedono da uno schermo.L'uno e l'altro, mi rispondo. Lo stemma di Sogliano porta in campo blu il sole ed una mezza luna! Due temperamenti, due modi d'essere! Due diverse tensioni comunicative tenute in uno scudo di cielo.Il jazz è così: cosa della poesia, sua declinazione! Portarlo a tutti è il sogno di Raffaele Casarano: «La necessità di esprimersi (...) la disperazione crea l'intenzione» frammenti che colgo in una clip a lui dedicata. Partire e tornare è essenziale se vuoi crescere una sensibilità. Muoversi, incontrare. Non c'è arte senza l'incontro, lo scambio, il mischiare le sensibilità. Non c'è arte se non si sceglie poi, di stare, di fermarsi, di scegliere, non c'è costruire se non si fa il luogo. Questa la cifra ispirativa del ‘suo’ Locomotive Jazz Festival che è andato in scena il 4 e il 5 agosto scorsi.

***

La morbida e rigorosa tromba fusion del maestro Cuong Vu accoglie il primo pubblico di una serata che ha tutte le caratteristiche per diventare emblema d'un modo di concepire e di mettere in scena un progetto culturale. L'andamento lungo di un tema ci lascia liberi come i versi quando non costringono al senso quando non legano le parole.
Loro, la folta truppa di artisti, ha incominciato già al mattino col da fare: la vernice di una mostra di arte pubblica nei giardini che accolgono il festival, un buffet tutto salentino per colazione e poi nel pomeriggio, in viaggio, con “From station to station” progetto dell'ospite e mentore Paolo Fresu - cittadino onorario di Sogliano Cavour - realizzato in collaborazione con le ferrovie Sud Est. Finiranno all'alba sulla collina di San Mauro di fronte il mare di Gallipoli!
Cascano i suoni ti vengono incontro in andature progressive volte all'accogliere. Ecco, il jazz invade, si fa popolare. Una frase, un frammento di uno standard sollecita il “so” comune.
Voglio fare il musicista mi dicevo da bambino! Ma non è dono dato a tutti il dialogo con uno strumento. C'è come un “mistero” che è prima dello studio. Voglio fare il musicista... per avere silenzio intorno, per giocare l'essenza e l'essenzialità, il segno e il segnale della libertà.
Arrampicarsi sulle note e caracollare giu. Un pentagramma della vertigine portato dentro, nel dentro sensibile, nel sentire che s'accorda con l'altro. Senza bisogno di didascalie, di citazioni, di conseguenza posso parlare del mondo e dell'intero intorno con la musica. E la guerra non fa rumore ed una ninna nanna inquieta e non fa dormire. E scopre!
Claudio Muci dice 'cantando' che non c’è bisogno di proteggere la tradizione, bisogna perdere e ritrovare la materia dell'origine, dell'inquietudine che ci abita che trova senza sapere d'aver trovato.
L'indeterminato è vitalità, è purezza! L'insignificanza è cosa sacra. Non ci rimane altro che prepararci, sempre prepararici e tenere orecchie 'pulite' alla musica!

Notte della taranta 2009

Angelique Kidjo, tra gli ospiti del concertone del 22 agosto

Notte della Taranta 2009

Dal 7 al 22 agosto torna nel Salento La Notte della Taranta, il grande festival dedicato al recupero e alla valorizzazione della pizzica salentina giunto quest’anno alla XII edizione. Il Festival toccherà le piazze dei comuni della Grecìa Salentina (Calimera, Carpignano Salentino, Castrignano dei Greci, Corigliano d’Otranto, Cutrofiano, Martano, Martignano, Soleto, Sternatia e Zollino), di Alessano, Galatina e Cursi.

Il concertone finale, sabato 22 agosto, nel piazzale dell’ex Convento degli Agostiniani a Melpignano, con l'Orchestra Popolare “La Notte della Taranta”, diretta per la terza edizione consecutiva da Mauro Pagani. Ospiti della serata saranno Alessandra Amoroso, Eugenio Finardi, Angelique Kidjo, Noa e Mira Awad, Simone Cristicchi e il coro dei Minatori di Santa Fiora, Z-Star.

Lui aveva sempre spiegato ai suoi ragazzi a scuola che quando la parola sua se ne andava a festa, era come una arrampicata senza legacci verso l’estasi, che in cima rompa il vaso e tutto l’urlo s’arrovescia in terra, laddove s’apre libero, spampana e allaga.

Lo scrittore tarantato

Elisabetta Liguori

Il professore aveva sempre un fazzoletto rosso al collo.

Gli angoli annodati come orecchie tese sotto il pomo d’Adamo s’erano fatti lisi, ma lui lo levava di rado e sua moglie protestava. Non aveva ancora sessant’anni, il professore, ma già si parlava d’andare in pensione un anno di quelli prossimi, avendo cominciato presto alle scuole serali e coi ripassi ai ragazzi coi calzoni corti e le orecchie grosse a forza di farsele tirare da gran ciuchi quali erano. Aveva cominciato presto e in paese era amico di tutti, tanti ce ne erano stati di ragazzotti tonti da spingere in avanti a suon calcioni e le famiglie peggio. Una gran carriera d’urli, carocchie e rispetto, la sua, che la gente non poteva proprio dimenticare.

*

Ma c’era un ma. Un ma senza criterio.

Ogni anno il professore andava alla festa del suo paese; c’andava festoso, ma incazzato di pece.

Era una storia complicata, cominciata molti anni prima, quando, per il santo patrono ad agosto, il professore aveva messo l’usanza di distribuire poesia, come fosse stata cupeta dolce, agli angoletti stretti del centro storico. E lo aspettava, la gente: – dov’è che sta il professore quest’anno? dove lo ha messo il banchetto questa volta? – lo cercavano per farsi poetare due parole, come se fossero stati i tarocchi.

La poesia invece del futuro; tre versi invece di un ritratto e la strada con le luminarie storte a far da complice, cornice e promemoria. Lui si metteva seduto chino. Stendeva i fogli. Inumidiva la punta del lapis, ché delle parole sue doveva restare una traccia breve nel tempo, e aspettava i clienti. Aspettava e si guardava intorno. Aspettava e cresceva la voglia. Aspettava e s’impennava l’ansia. Aspettava e s’addensava la memoria. Aspettava, puntava e bolliva il desiderio. All’inizio sembrava dovesse andare tutto a meraviglia, ma poi coi primi clienti cominciavano i guai. Ogni anno così. La gente veniva da lui, come da un giocoliere di strada, e lui regalava un verso naturale, come per contagio. Come uno che cammini per la via e si spaventi di un ombra fuggiasca e gridi: oh, così al professore gli bastava una faccia e la poesia arrivava veloce. Era un’onda di paura o stupore, con il vento dietro. A quelli brutti ci faceva due righe di pietà e a quelli belli due di invidia e scongiuri. Ai vecchi una prece baciata e ai giovani un rimprovero in rima. Ai bambini una favola d’orsi color caramello o di fate schiattate e poi resuscitate. Alle femmine una terzina golosa che era come una gran pacca sul sedere. Tutto veniva fuori a sentimento come in un balbettio gentile. Faceva presto e faceva in fretta, il professore, e se la banda suonava dietro l’angolo o il santo vorticava a processione sotto le braccia della confraternita, per lui era meglio. Era tutta ispirazione aggiunta, diceva, era sprone, atmosfera a iosa.

Era la gara ad esser più bravo nel raccontar la festa della gente.

*

Ma c’era un ma. Con l’estro e la clientela, al professore gli balzava la pressione al petto, il sangue gli pompava grosso e le dita tremavano sull’arte del foglio. Con la poesia arrivava pure una specie di rimbambimento lunare che gli causava un vibrare argenteo e incontrollato. Quella sua ansia diventava spettacolo senza controllo. Lui continuava a poetare, finche poteva, ma s’incazzava assai, quasi più di un cane alla catena, e in ultimo esplodeva. Ogni anno era la stessa storia: con la notte arrivava la passione ed era atomica. Al culmine della festa, coi botti, e tutto il resto, finiva sempre che il professore si gettava in terra tra le rime sparse. Tutto sussultava e sputava e urlava e si riempiva di polvere e inchiostro, terrorizzando la clientela. Non c’era niente da fare: quando gli montava l’urticaria, gli montava e basta. Il banchetto all’aria, i fogli in cielo, le vecchine (che aspettavano il turno loro per farsi immortalare come la Silvia dal Leopardi) si scansavano urlando, le signore eleganti alzavano i tacchi argentati come avessero visto mandrie di ratti sfuggire ai tombini. Persino i palloncini d’elio lasciavano le mani ai ragazzini, quando il professore s’ammattiva di rabbia e talento e stramazzava sull’asfalto, rantolando come un toro uncinato. Il fazzoletto gli diventava color vino per il sudore e il fango. Il viso beato dell’artista incontrollato si contraeva in uno spasmo cieco e la camicia candita gli diventava una schiumarola di birra, pietre e cicche.

Uno spettacolo davvero colossale.

*

Alle volte i turisti stranieri riuscivano a tirar su due foto ricordo da spedire ai parenti, altre volte al ritorno in patria raccontavano del matto agli amici, ma nessuno gli credeva. Oramai non si capiva più se la vera attrazione popolare fosse quella poesia da strada ad offerta libera o la scena cruenta di chi stramazza e schizza. Se ne parlava pure oltre i confini regionali e la stampa diceva che quella confusa isteria era la giusta immagine dei tempi. Di solito la schioppettata in terra durava un bel pezzo, ma la gente non s’annoiava. Si legava a girotondo intorno al poeta professore finché non arrivava il figlio Astolfo, grande e grosso e ripetente da tre anni al magistrale, per portarselo via di peso nello stupore generale. A casa poi la moglie, paziente e analfabeta, se lo curava col brodo tiepido e i pediluvi salati. Il medico di famiglia non si dava pace. Non comprendendo le origini del male, la cura era chimera. Poteva essere la forza bruta delle belle lettere, o le luminarie in grande spreco sui cornicioni delle case basse, o la faccia pelosa di quel figlio deludente o quella della moglie sciatta, o il banchetto dello scrivano nano che s’opponeva alle vette della sua poesia. Poteva essere il muscolo cardiaco o quello cerebrale. Poteva essere la mano o il piede, quello che c’era e quello che non c’era, la musica o il silenzio, l’aria buona o quella malata, poteva essere tutto questo o il mondo, ma il fatto era che il professore pazziava di anno in anno sempre più, senza mai perdere né il vizio né il gioco.

Capitava che la gente pure s’interrogasse, è chiaro.

*

Era corsa rapida la voce che ci fosse in paese un matto poeta, maestro di lettere istantanee, che quando era notte di festa gli prendeva la stranezza d’amore e d’arte. E come mai? e come accade? E perché sì e perché no? Ma non tutto si spiega; certe isterie son roba da femmine e come le femmine che di rado si lasciano spiegare, pure la poesia vivace del professore matto restava senza peso.

Una volta, in tarda primavera venne una giornalista al bel paesello strano. Voleva fare il botto con il poeta, come si fa coi santi o i bombaroli. Gli disse dritta in faccia: ne scriva una tutta per me, che io la pubblico domani. Il professore si sedette al banchetto e fece lo sforzo, ma non venne fuori nulla. Si fece triste come una gallina col culo freddo, ma niente uguale. Lui aveva sempre spiegato ai suoi ragazzi a scuola che quando la parola sua se ne andava a festa, era come una arrampicata senza legacci verso l’estasi, che in cima rompa il vaso e tutto l’urlo s’arrovescia in terra, laddove s’apre libero, spampana e allaga. Per questo si ammalava. S’ammalava libero e impazzito. Quando la parola nuda scivola fuori come lava, sempre s’ammala il corpo che la sputa, diceva il professore. Così disse pure alla giornalista rimasta a secco di sonetti e si scusò con largi inchini, strizzando il fazzoletto rosso al collo, come un guinzaglio. Si giustificò spiegandole che lui c’aveva bisogno del rito santo e del vulcano onesto per creare, che di quello si nutriva, mentre invece della stampa non sapeva nulla, salvo scandali e menzogne secche, che l’estro gli ammosciavano assai. Le disse che lui non sapeva dare altre spiegazioni al fenomeno, né quali comandi dare al verso per farlo fiorire.

*

La giornalista però era una tosta, tra master e stage era diventata la gigantessa degli scoop e al professore gli fece la lezione.

Peccato, lei, signor mio caro, si perde un’occasione. Portando il caso suo nel mondo, la fama sarebbe già una cura e l’isteria si può far d’oro a saperla raccontare.

Mi dica ciò che prova, cosa sente, si confessi, si sfoghi pure che la telecamera per chi è savio può essere la giusta culla.

Ma la poesia malata d’estasi del professore non trovò ragioni e dondolii. Tentò, tentò più volte l’affondo, ma alla fine il poeta non poetò e nulla comprese di quel suo silenzio. Poi, quando la cronista bella e delusa se ne tornò in redazione, il professore rimase tra i fogli bianchi a meditare. Cercò poesia fino a mezzogiorno. Cercò e cercò, ma il paese gli parve senza più voce e gli venne una gran fame. Stava dal fornaio quando finalmente gli fiorì alla mente la rima che fino a quel momento gli era parsa monca. Quando Donato, con la cuffia bianca in testa, gli chiese se le rosette le voleva vuote dentro come sempre, lui, invece di rispondere prese a declamare.

Il verso atteso eruttò così intenso che le casalinghe grasse si fermarono sulla porta d’ingresso con le buste piene. In breve la bottega si riempì di gente così affamata, che sembrava ferragosto, ma nonostante il gran successo il professore fece giusto in tempo a regalare qualche suono armonico prima di finire in terra come le altre volte.

*

Strisciò cieco fino in strada, giusto davanti alla bottega del fornaio. Scalciò poesia con gli occhi rivoltati dentro. Sputò terzine e bava. Ululò alla luna femmina con le reni schiacciate nel pietrisco. Si dondolò così tanto sulla pietra da restare nudo. Fu un peccato davvero che non ci fosse più da quelle parti la bella giornalista a trasformare la bestia in una star. Fu una festa senza scena. Un palco monco. E se era sempre stato difficile dare un senso, da quel giorno, senza luminarie, processioni e banchetti nani, l’arte del professore si fece ancor più occasionale e vaga. Sebbene Donato, il fornaio previdente, fosse corso a chiamare Astolfo, il figlio del poeta (che a quell’ora era ancora a scuola e proprio non s’aspettava spettacoli e rumore), la premura non bastò. Per la sua famiglia, la rima del funambolo allunato divenne tragedia, mentre per il paese restò un generoso mistero, proprio come l’amore, senza ordine e criterio.

Luoghi d'Allerta 2009

Da qui tutto è lontano

Domenica 2 agosto, alle 22.00, nel Cortile di Liberrima a Lecce, la prima presentazione del romanzo "Da qui tutto è lontano" (Lupo Editore). Augusta Epifani, direttrice di Liberrima, intervista l'autore Pierluigi Mele.

C'è un'attitudine affabulante che fa la nostra scrittura. Quella proprio nostra, di qui, dico! Di questo Salento sempre 'antico' tutto fatto d'occhi e di... parole e di... storie.
Ne abbiamo sentite tante venirci incontro, trattenute dalle screpolature dei muri, tra pietra e pietra, nell'incavo d'una corteccia. Prestate orecchio, ancora c'è sussurro.
Scegliete un posto ed aspettate! Sentirete ancora possibilie lo stupore.
Era così che tutto appariva, sino a poco tempo fa! Adesso un pò meno!
Venti, trenta, cinquanta anni fa e secoli poi, secoli indietro... non è per nostalgia! Lontano, tremendamente lontano, che solo a dirlo, il nome della terra da dove venivi, doveva ai più apparire remoto, segreto, irragiungibile.
Adesso no! Meglio tacere! Non nominarla la Terra nostra che tutti la conoscono, s'è fatta mèta Finibusterrae di pellegrini senza mèta. Soli, in cerca di nulla, la gran parte presi da smemorati clamori inseguono ciò che più non è!
Allora la lettura, i versi dei poeti: l'ottimo viatico per trovarsi di là del Tempo nell'inconsueto, nel segreto.
“Da qui tutto è lontano” è il titolo dell'ultimo romanzo licenziato dall'eroico editore Lupo (così appare per coraggio, determinazione, per militanza e per vicinanza ai suoi autori, Cosimo. Per amorevolezza anche e dedizione alla realizzazione di opere sempre più fini e raffinate nel farsi oggetto libro). Un audio-libro che accoglie la prosa e la voce di Pierluigi Mele.
Poeta, attore, narratore in “Da qui tutto è lontano”!
Due tracce trovo, alla prima scorsa. Una prima manifesta, la storia di Mezzaluna, stravagante sovrano che abita “in un Sud intriso di miti e aromi” con la sua compagnia d'amori, d'amici e di solitudini. Sembra un Teatro. L'incedere della scrittura è quello. Rigoroso e scaltro capace di sostare e di venire a precipizio sfocando l'energia e il senso. Poi c'è l'altra via da seguire, che intriga. Oserei definirla politica o “di poetica”, di atteggiamento: non c'è mai il Salento. Ma c'è! Eccome!
A monito leggiamo: “Non dovremmo mai nominare i luoghi amati, qualcuno poi li sfreggerà”. Oppure: “...penso che avremmo bisogno di un nuovo assalto dal mare per risvegliarci da un lungo sopore. Avremmo bisogno dei turchi daccapo”.
Meditazioni su cosa siamo e siamo stati noi in questo qui lontano.

Mauro Marino

La vocazione del letterato / Intervista al prof. Mario Marti

di Gianluca Virgilio

Incontro il prof. Mario Marti nella sua casa di Lecce alle diciotto e trenta del 18 giugno scorso, previo accordo telefonico. Mi accompagna un amico, desideroso di conversare con lui. Il professore ci accoglie con la moglie Franca e ci fa accomodare nel salotto; ci spiega che fino a qualche tempo prima quel salotto era pieno zeppo di libri, come del resto tutta la casa – ed io penso alla casa del Carducci, a Bologna –, e che ora gli scaffali sono vuoti perché ha donato i libri, circa settemila e cinquecento, ma il trasferimento è ancora in corso, al convento dei Cistercensi di Martano (le lettere ricevute, in numero di quattromila, invece, sono custodite nella Biblioteca comunale di Mesagne). Cominciamo a parlare, e si va avanti per più di un’ora, senza pause, senza silenzi, con la naturalezza dell’autentica e ormai disusata conversazione. Rievochiamo i fatti della giovinezza, gli studi, le amicizie, la carriera accademica, i suoi libri. A novantacinque anni si hanno cose da raccontare, se si è vissuta una vita operosa. Alla fine, dico che avrei dovuto portare con me il registratore, perché nulla di quei discorsi andasse perduto. “Ma non sarebbe stata la stessa cosa”, dice la Signora Franca, servendoci un ottimo tè freddo, ed ha ragione. Allora, io tiro fuori una busta con le domande che avevo pensato a casa e la consegno al professore. Il professore la apre, legge, sorride talvolta, e dice: “Dammi tempo e avrai le risposte. Ma poi, che ne fai?”.
Ricevo le risposte il 9 luglio scorso, scritte a macchina, con correzioni autografe, e una lettera di accompagnamento datata 4 luglio 2009, in cui il professore mi scrive: “…appena ricevi, fammi un fischio”. Gli telefono, dunque, per avvisarlo; e lui ancora: “Che ne fai di queste risposte?”. “Le pubblico”, gli ho detto. E così è stato.

***

Prof. Mario Marti, Lei ha compiuto da poco (il 19 maggio scorso) 95 anni e, dunque, ha avuto il privilegio di attraversare tutto il Novecento letterario italiano e oltre. Può dirmi quali autori (scrittori, poeti, critici) hanno lasciato un segno nella storia letteraria del Novecento, e dai quali, a suo avviso, non si può prescindere?
Chi abbia una qualche famigliarità con i miei scritti, in particolare con quelli, diciamo, “teorici”, o abbia anche avuto modo di ascoltarmi in pubbliche discussioni, sa bene che io sono fortemente restio a formulare possibili canoni del contemporaneo per evitare grossi rischi di dire delle grosse sciocchezze. Ricordo la stroncatura che dei Promessi Sposi pubblicò nientemeno il Tommaseo, quando apparve il romanzo; e il clamoroso giudizio di Attilio Momigliano sul romanzo “Ilia e Alberto” di Angelo Gatti (oggi dimenticato da tutti) come “esperienza eccezionale” e da considerarsi “fra le maggiori creazioni della nostra narrativa”. Il giudizio sul contemporaneo, proprio in quanto tale, manca della prospettiva cronologica necessaria ad ogni giudizio comunque “storico”, e, di solito, obbedisce al gusto personale, alla ideologia di moda, ai legami di interesse e anche di amicizia, di affetto, di simpatia (o viceversa). Comunque, secondo me, il Novecento, in Italia, è stato un secolo di sperimentazioni e di saggistica, più che di creatività individuale. Si confronti, nello specifico, l’Italia con le altre nazioni della cultura “occidentale”, e si rifletta sul fatto che la presenza dell’Italia, in quella cultura, è dovuta alle figure di Giovanni Gentile e, soprattutto, di Benedetto Croce, che fu – lo si sa bene – anche un grande storico.

E’ possibile tracciare una linea di sviluppo della letteratura salentina del Novecento? E anche qui, da quali autori non è possibile prescindere; e perché?
Intanto bisogna bene intendersi sull’esatto significato di “letteratura salentina”. Se lo si usa in senso “categoriale”, il discorso è già chiuso, perché, a mio giudizio, non esiste una letteratura “categorialmente” salentina, come non ne esiste una della Ciociaria o del Cilento, e così via. E’ l’antropologia che magari va differenziata; non la letteratura, visto che la buona letteratura regionale integra e arricchisce, dialetticamente, la nazionale; dico quella buona, quando cioè riesce a proiettare il privato e il locale nel collettivo e nell’universale (modelli supremi, per esempio, Verga e Di Giacomo). Quali autori? Diomio, per il Salento è ormai davvero pacifico: Comi e Bodini per la poesia in lingua; Gatti e De Donno per quella in dialetto; e aggiungerei, per la tenacia e l’originalità della sua sperimentazione Antonio Verri.
Questo non significa ignorare o disconoscere la generosa esistenza, nel Salento, di poeti e di prosatori (anche narratori) fortemente innamorati della creatività letteraria, e anche dotati, talora, di notevoli qualità e capacità; ma sono convinto – e mi si perdoni – che non faranno storia, anche se occasionali, e talora interessati, riflettori li pongano sul proscenio della cronaca (o li abbiano posti). Altro discorso, invece, secondo me, sarebbe da farsi circa la saggistica, sulla quale l’istituzione dell’Università, del Conservatorio e dell’Accademia hanno prodotto eccellenti ricadute sugli studiosi “locali”, liberandoli, quasi sempre, dai lacci di un’erudizione troppo chiusa e fine a se stessa.

Sotto l’incalzare della globalizzazione, negli studi letterari tiene ancora il nesso regione-nazione, di cui Lei è stato teorico in “Dalla regione per la nazione”? Oppure esso va riformulato in altro modo?
La globalizzazione non inciderà sulla dialettica regione-nazione, anzi ne allargherà i confini. Essa non distrugge le “differenze” regionali ma le ingloba in più ampia area coerentemente regolata, secondo necessità civili e pacifiche. Si direbbe anzi, da certi segnali, che essa sarà stimolo a definire meglio le varie identità antropologiche. Si vedrà.

Se dovesse rievocare due episodi che hanno condizionato la sua vita di studioso, quali riferirebbe?
Non due, ma tre sono gli episodi che hanno condizionato la mia vita di studioso. Il mio ingresso alla Normale di Pisa, vantaggiosissimo per i confronti fra giovani studenti, e, per me, fonte di amicizie durate per la vita (Branca, Binni, Bonora, Bigi, Folena…). Poi il mio trasferimento da Parma (prima nomina) a Roma, col conseguente contatto con l’Università “La Sapienza” e l’inizio della mia carriera accademica; e insieme, con la possibilità di frequentare biblioteche come la Vaticana, la Nazionale, l’Alessandrina e l’Angelica. E infine l’istituzione di Lettere a Lecce e la mia chiamata sulla cattedra di letteratura Italiana, cui sono rimasto fedele, nonostante ghiotti inviti d’altrove, fino alla pensione.

Quali consigli darebbe ad un giovane che si appresta a dedicarsi agli studi di letteratura Italiana? E a un docente della stessa disciplina?
Per l’amor di Dio!; niente consigli a nessuno su un argomento così personale, scabroso e imbarazzante; poi, per uno già docente! Ad un giovane invece, che ancora si avvia alla carriera, gli direi soltanto di proseguire tenacemente e di non badare a qualche occasionale delusione, ma soltanto se sente quella delle Lettere come una vera, indefettibile “vocazione”. Altrimenti, cambi strada, se è ancora in tempo. Ahimè, è da secoli che si dice, e si sa purtroppo, che “Litterae non dant panem!”

Può dirmi quali sono i suoi progetti per il futuro? A che cosa sta lavorando?
Alla mia età, a 95 anni suonati, “progetti per il futuro”? Ma vogliamo scherzare? Il mio ormai non è più un “lavoro”; è un piacevole “divertimento”, nel quale si colloca, per esempio, la presente intervista. Il resto è ormai solo placida e pacifica, per quanto si possa, attesa, pur continuando ancora a vivere con vero piacere in amabile società.

Ora, se me lo permette, due domande molto personali. La prima: nel film di Ingmar Bergman dal titolo “Il posto delle fragole”, l’anziano prof. Isaak Borg sogna il luogo della possibile felicità, il “posto delle fragole” appunto, a cui ha rinunciato per seguire i suoi studi. Lei pensa di aver rinunciato a qualcosa? E ancora, Le capita di sognare, come il prof. Borg, un “posto delle fragole”? Se sì, vuole raccontare il Suo sogno?
Ahimè no; io purtroppo non ho alcun “posto delle fragole”. Quel posto credo di averlo realizzato, come meglio m’è stato possibile, nella realtà e nelle conclusioni della mia vita. No, francamente, nessun sogno di nostalgico rimpianto.

La seconda: che cosa pensa del destino dell’uomo dopo la morte?
Nulla, proprio nulla. Evito, per continuare a vivere senza alcuna angoscia fino a quando mi sarà concesso. Sono molto sereno, anche perché non faccio e – credo anche – “non feci mai male ad anima viva” (Puccini, “Tosca”, “Vissi d’arte”).

Grazie, professore.